хэпенинг, «материалом» которого явились «кровь, крысы, трупы убитых

животных и человеческая пара, совершавшая половой акт на залитой кровью

мостовой». Дошло до того , что хэпингами объявили студенческие демонстрации

протеста и войну во Вьетнаме.

50-е г. , особенно 70-е гг. были бурными для театра США не только из-

за модернических экспериментов, но в связи с появлением интересных истинных

драматургов Тенниса Уильямса (1911-1983): «Трамвай желание!, 1947, «Кошка

на раскаленной краше», 1955, 1976, «Салемские колдуньи», 1953 и.др.,

поднимающие проблемы разобщенности и жестокости.

10

Кроме этого в 50-е г. активизировалось движение внебродвейских театров

«Арена стейдж» в Вашигтоне.

Англия

Английский театр после второй мировой войны переживает период

кризиса. Лиш «рассерженные молодые люди» (Д. Осборн «Оглянись во гневе»,

1956, Ш. Дилэни «вкус меда». 1956) всколыхнули его.

В эти же годы в Англии распространилось молодежно-театральное движение

– «фриндж» (обочина», связанное с поисками политически активного искусства,

непосредственно участвующего в общественной борьбе. Участники «фринджа»

пришли на подмостки Королевского Шекспировского театра.

Италия

После свержения фашистской диктатуры в Италии в театр этой страны

приходят свежие силы, среди них актер и режиссер Эдуардо де Филиппо 91900-

1984), создается «Пикколо-театро», и «Театр итальянского искусства» в Риме.

Всемирную известность получил «Пикколо-театро», основанный в 1947г.

режиссером Джорджо Стрелером, директором Паоло Грасси. Целые поколения

людей благодаря «Пикколо» обрели нравственны устои, сформировали свое

отношение к миру и к самим себе. Театр не учил, как жить, но он помогал

жить, он участвовал в жизни людей.

ЖИВОПИСЬ

В буржуазных странах в первой половине ХХ в. свои позиции стало

сдавать абстрактное искусство под напором новых течений. Так например

«оптическое искусство»(оп-арт), основоположником которого стал Виктор

Вазарели, работавший во Франции. Это искуство представляло собой композиции

из линий и геометризированных пятен, подсвеченные цветными лампочками.

Такие композиции располагались на плоских или на

воображаемых сферических поверхностях. Оп-арт быстро перешел на ткани,

рекламу и промышленную графику или же послужил для развлекательных зрелищ.

Оп-арт быстро сменили «мобили» –конструкции. Вращающиеся от

электричества. Чтобы привлечь внимание зрителей, к некоторым «мобилям»

присоединялись звуковоспроизводящие устройства, и «мобили» издавали писк.

Это направление получило название кинетического искусства. Для изготовления

кинетических картин подбирались самые невероятные вещи. Конструкции стали

передвигаться, излучать свет, попискивать.

Очередным изобретением модернистских новаторов явилось

самоубийственное или самоуничтожающее искусство. Двигающееся устройство из

колес, шестеренок, массы различных деталей работало некоторое время, а

потом в одночасье загоралось, а потом расплющивало себя молотками, которые

входили в комплект конструкции.

Приемы «самоубийственного искусства» распространились на

книгопечатанье: выпускались альбомы с репродукциями , на печатанными

специальными красками, которые через некоторое время бесследно исчезали с

листов альбома.

Новую волну течений возглавил поп-арт (популярное искусство, точнее

«ширпотреб-искусство»), который зародился в США. Роберт Раушенберг, Джеймс

Розенквист, Рой Лихтенберг, Джеспер Джонс. Эндри Уорхол распространили это

направление во многих странах мира. С поп-артом в музейные и выставочные

залы хлынуло то, что искусством не признавалось и было областью «массовой

культуры» низшего разбора,- рекламные плакаты и этикетки, муляжи и

манекены, увеличенные репродукции и комиксы, а кроме того наборы любыз

предметов, попавшихся под руку, - одеяла и консервные банки, разбитые часы

и раскрашенные чучела.

11

После господства абстракции искусство перестало чуждаться жизни и

злободневности, привлекалось все, что может возбудить интерес, - атомная

бомба и массовые психозы, портреты политических деятелей и кинозвезд,

политика на равне с эротикой.

Корифеем рок-арта был американец Роберт Раушенберг. На выставке в Нью-

Йорке в 1963г. он рассказывал о создании своей первой картины «Постель». Он

проснулся ранним майским утром, полный желания принятся за работу. Желание

было, но не было холста. Пришлось пожертвовать стеганным одеялом – летом

можно обойтись и без него. Попытка забрызгать одеяло краской не дала

желаемого эффекта: сетчатый узор стеганного одеяла забирал краски. Пришлось

жертвовать подушкой – она давала белую поверхность, необходимую для

выделения цвета. Других задач художник перед собой не ставил.

Выставочные залы Европа и США стали похожи на выставки поделок

самодеятельных кружков народных умельцев и изобретателей, ведь техника поп-

арта была исключительно разнообразна: живопись и коллаж, проецирование на

полотно фотографий и слайдов, опрыскивание с пульверизатора, комбинирование

рисунка с кусками предметов, и т.д.

Понятно, что критика относилась к такому искусству по разному, одни

говорили о вырождении искусства или, на худой конец, обновленной форме

натурализма, другие говорили о новом этапе в развитии искусства, называя

поп-арт «новым реализмом» или «сверхреализмом». Многие отмечали на

Международных эстетических конгрессах депрофессионализацию многих

современных художников. Демократизм поп-арта критики отмечали в том , что

зритель может стать героем произведения , если он входит внутрь него,

присаживается на нем отдохнуть или видит свое отражение в зеркале, тоесть

принимает участие в той игре, которую ему предлагают.

Поп-арт нужно принимать как реальность и отдать должное

изобретательности создателям произведений этого направления современного

искусства, ведь для создания конструкций использовались новые достижения

науки и техники.

Искусство поп-арта тесно переплеталось с искусством торговой рекламы,

ставшей неотъемлемой частью американского образа жизни. Реклама броско и

навязчиво пропагандирует товарный стандарт. Как и в рекламе, главными

сюжетами поп-арта стали автомашины, холодильники пылесосы, фены, сосиски ,

мороженое, торты, манекены и.д. Некоторые громкие имена художников помогали

сбывать товар. Так кумиром промышленников стал Энди Уорхол, поднявший

изображение товаров до уровня икон. Для создания своих картин Уорхол

использовал консервные банки бутылки кока-колы, потом и денежные купюры.

Подписанные им банки консервов раскупались моментально. Такое радение

торговцы щедро вознаграждали. Эндри Уорхен стал экспериментировать и в

кино, он отснял более 100 фильмов. Большинство многочасовых фильмов было не

возможно смотреть. Например фильм «Сон» длился более 6-ти часов. Был просто

снят спящий человек. .Зато в таком фильме из-за частой рекламы не потеряешь

нить происходящего, - замечал его создатель.

Близким к поп-арту был гиперреализм (сверхреализм). Художники этого

направления старались сверхточно копировать действительность, пользуясь

даже муляжем. В изготовлении муляжей прославился скульптор модернист Дж.

Сигал. Он изобрел собственную технику изготовления копий живых людей. Сигал

забинтовывал людей широкими хирургическими бинтами. Придавая ему желаемую

позу. И заливал гипсом. Полученные фигура Сигал располагал на обычных

стульях, в кроватях, ваннах. Анемичность муляжей Сигала подчеркивает

беспомощность, бездейственность людей по отношению к внешнему миру.

Вслед за поп-артом появилась серия модернистических направлений. Одним

из таких новшеств является боди-арт (от анг. Body – тело). В 1968г. в

Венеции бала выставлена в качестве скульптуры группа живых людей – стариков

и старух, взятых из венского дома престарелых. Около каждого из этих

«экспонатов» висела табличка с именем и фамилией, указанием возраста,

перчнем болезней и «ударов судьбы».

12

Вскоре боди-арт сменило динамическое направление. На одной из

выставок экспонировалась абстрактная подземная скульптура. Скульптор

пригласил землекопов, они вырыли на глазах у зрителей во дворе музея яму в

форме могилы и сейчас же ее закопали. Скульптуры как таковой не было, но

состоялось «общение» художника с публикой.

Но и на этом «новое реалистическое искусство» не исчерпало себя.

Следующим этапом стало деструктивное направление. Для просмотра

деструктивисты предлагали демонстрацию кусков плавленого жира с

человеческими ногтями т волосами. Или на крышку рояля выпускали цыплят.

Отрезали им ножницами головы, и обезглавленные цыплята бегали по крышке. К

другим направлениям модернизма относится фотореализм- отражение реальности,

а точнее его застывшего мгновения, с помощью фотографии. Фотореалисты

Р.Бехте, Б. Шонцейт, Д. Перриш, Р. Маклин и.др. свели творческий процесс к

механическому копированию фотоснимка. Для изготовления холста делается

проекция с диапозитива на холст, контуры обводятся карандашом. Получившееся

изображение раскрашивают монохромными красками.

Также модернисты уделили внимание и проблемам окружающей среды, создав

очередное направление – геореализм. Для создания своих произведений они

пользовались водой, землей, травой, семенами растений, песком и т.д.

Например, среди зала музея насыпалась куча земли; у входа в зал застилался

прозрачный полиэтиленовый мешок с водой, о который спотыкались посетители.

Чтобы привлечь внимание зрителей вскоре на выставках стали появляться

«произведения», имитирующие разрушения, нанесенные стихийными бедствиями.

Скульптор-модернист К. Арнет. Получивший известность благодаря

сконструированным им ботинкам с лампочками на их носках.

Художники направления «Окружающей среды» стремились подчеркнуть

отчужденность человека от предметного окружения не только визуальными

средствами, но и аудиокальными (музыкой, шумами). Характерным примером

может служить постоянная выставка в Филадельфии, открытая в 1976г. в

просветительном «Центре современной культуры». Здесь создана среда,

которая окружает человека. С потолка выставочного зала свисают

«аудиотрубки», каждая из которых изрыгает песню или дикторский текст.

Голоса и разноголосая музыка сливаются в рев оглушительной громкости.

Посетители лишены возможности что-либо понять из передаваемых текстов. На

большом экране (2,5х3 метров) демонстрируются «ключевые сцены2 из истории

США. Выставка по замыслу ее организаторов, призвана показать ничтожество

человеческого ума и несостоятельность человеческого сознания перед

достижениями современной техники.

Механические средства воздействия на нервную систему человека стали

активно внедрятся в область театра.

«Искусство окружающей среды» послужило ступенью для перехода к

внедрению психоделического искусства – произведений, создаваемых, а

желательно и воспринимаемых

под воздействием наркотиков. Направление это не очень ново: модернисты уже

ряд лет практиковали создание подобных произведений, но не пропагандировали

их открыто. Однако с ростом наркомании модернисты осмелели. Способствовало

развитию психоделической «художественной» деятельности и увеличение

производства в буржуазных странах галюциногенного наркотика ЛСД.

Запрещение наркотиков по закону не позволяет художникам этого направления

выступать с открытыми программами и манифестами.

Близкое к наркотическому воздействию оказывают психоделические фильмы,

которые не имеют ни начала, ни конца. Во время демонстрации таких фильмов

воспроизводятся усиленные шумы, крики, хохот, вздохи, вой толпы, стук

поезда. Одновременно на экране возникают увеличенные микроорганизмы,

военные битвы, роды. По оценке американских врачей-психиатров. Непосильная

нагрузка всего этого мелькания и звучания должна вызывать притупление

мозговой деятельности, аналогичное воздействию наркотика ЛСД. Наркотическое

13

воздействие осуществляется не химическим способом , а элементарной «игрой

на нервах». С психоделическим искусством граничат дискотеки, использующие

сверхгромкую музыку и беспорядочное мелькание цвета в целях оказания

усиленного воздействия на на нервную систему молодых посетителей.

Собственно психоделическое искусство начинается с приема

«психовитаминов» – разного рода наркотиков, которые изменяют характер

чувственного восприятия. В восприятии нарушаются пропорции, предметы

предстают в уменьшенном или увеличенном виде. Нередко этому сопутствует

ощущение тошноты, доходящее до рвоты.

Массированный поток модернизма оттеснил на второй план абстракционизм,

сюрреализм, реалистическое искусство, заполнил выставочные залы различным

хламом. Так, в музеях ФРГ, в которых веками накапливались шедевры

художественного творчества, были открыты залы, которые представляли собой

странное зрелище. В одном из залов стоит деревянный стул с толстым слоем

сала на сиденье (сверху сало обмазано слоем воска, для того чтобы не

издавало запаха). Под стеклянными колпаками – тарелки с объедками колбасы и

сыра. В другом находится деформированная мебель. Далее висят образцы обуви:

крошечных или гигантских размеров ботинки, туфли, сапоги. В зале живописи

рядом с фотографически точно скопированной мордой коровы – портрет

кинозвезды.

Нельзя сбрасывать со счетов в панораме искусств 2-й половине XX в.

сюрреализм и активный эпотаж его метра альвадора Дали (1904-1988).

Сон и явь, бред и действительность перемешаны и неразличимы, так что

не понять, где они сами по себе слились, а где были увязаны между собой

умелой рукой художника. Фантастические сюжеты, чудовищные галлюцинации,

гротеск в сочетании с виртуозной живописной техникой - именно это

привлекает меня и, возможно, других зрителей в произведениях Дали.

Скорее всего, имея дело с этим художником и человеком, надо

исходить из того, что буквально все, что его характеризует (картины,

литературные произведения, общественные акции и даже житейские привычки)

следовало бы понимать как сюрреалистическую деятельность. Дали очень

целостен во всех своих проявлениях. Читая его "Дневник одного гения",

понимаешь, что это не просто дневник, а дневник сюрреалиста. Читая о Дали,

о его шокирующих публику выходках, понимаешь, что и вся его жизнь была

жизнью сюрреалиста. Если верить его "Дневнику", он даже хотел превратить

кусок реального мира в своей каталонской резиденции в подобие своей

сюрреалистичекой картины, усеяв берег множеством слоновьих черепов,

Страницы: 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, 8, 9