XX века всё американское кинопроизводство окончательно перебралось в Лос-

Анджелес. Первыми на появление звука откликнулись компании «Warner Bros.»,

«The 20th Century Fox» и «Paramount». Студии переоборудовали кинотеатры под

звук. По подсчётам, это обошлось Голливуду в полмиллиарда долларов.

Интерес к немому кино продержался около трёх лет. Разразившийся

экономический кризис и последовавшая за ним Великая депрессия 1929-1933 гг.

словно обошли киноиндустрию стороной. Чтобы посмотреть звуковой фильм, люди

охотно отдавали в кассы кинотеатров последние деньги.

За три года благодаря звуку в кинематографе появились такие жанры, как

гангстерский фильм, фильм ужасов, вестерн, в которых речь персонажей

чередовалась с выстрелами, визгом автомобильных тормозов и гортанными

выкриками нападающих индейцев.

В 30-х гг. американское кино было на подъёме. Ведущие студии

производили в среднем по пятьсот картин в год. Недаром это время называют

золотым веком Голливуда.

«Настоящий вестерн», по мнению американцев, может быть снят только в США,

поскольку неразрывно связан с историей страны. Во второй половине 60-х гг.

XIX века, после окончания Гражданской войны, началось заселение земель к

западу от Миссисипи - раньше они принадлежали индейцам. В это время и

происходит действие всех вестернов. Их сюжеты, как правило, несложны:

«хорошие парни» (ковбои или землепроходцы - трапперы) борются против плохих

и побеждают. Для создания жанра не менее важным, чем эта борьба, оказался

фронтир (в переводе с английского frontier - граница) - не просто

разделяющая линия, но дикие земли, поскольку на них ещё не установлен

правопорядок; «хорошие парни» берутся его утверждать с оружием в руках.

Уже первый значительный фильм, созданный в Америке - «Большое

ограбление поезда» (1903 г., режиссёр Эдвин Стэнтон Портер) - был

вестерном. «Дилижанс» (1939 г.; в советском кинопрокате «Путешествие будет

опасным») - это вершина жанра и переломный момент в развитии вестерна.

Действие картины разворачивается именно на просторах фронтира. Режиссёр

Джон Форд, классик американского кино, умело нагнетает напряжение. Знаменит

кадр фильма, когда камера с вершины горы снимает дилижанс и издали он

кажется крошечным.

Киноиндустрия США откликалась на общественно-политические движения. В

60-е годы появились молодые кинорежиссеры Ф. Коппола, М. Скорсезе, М.

Николс и др., которые бросили вызов консерватизму «фабрики грез». На экране

стали появляться актуальные проблемы молодежи, ее неприкаянность перед

всесилием доллара, мрак без духовного прозябания, жестокие условия

выживания.

Особое место в американском кино заняла тема войны во Вьетнаме,

расколовшая Голливуд на два непримиримых лагеря – защитников агрессии

(«Зеленые береты» Д. Уэйна) и ее противников («Возвращение домой» Х. Эшби,

«Взвод» О. Стоуна). Спад демократического движения в Америке усилил попытки

оправдать агрессию во Вьетнаме (сериал «Рэмбо»).

Основной поток фильмов определяли мелодрамы, детективы, фильмы о

шпионах. Мировым бестселлером стал сериал об английском агенте 007 Джеймсе

Бонде, главную роль в котором исполняли Роджер Мур, Шон Коннери, Пирс

Броснан.

В 70-80-е гг. ситуация в кинематографе меняется в связи

неоконсервативной политикой американской администрации, присоединения

крупных кинофирм к транснациональным монополиям и следовательно, слияния

кинодела с большим бизнесом. Продюсеры стали делать ставку на постановку

небольшого числа супердорогих фильмов в жанрах фильма-катастрофы

(«Аэропорт»), космической фантазии («Звездные войны»), возросло увлечение

фильмами ужасов («Сияние» С. Кубрика). На первый план вышло «новое

поколение» режиссёров, это, прежде всего, Стивен Спилберг и Джеймс Камерон.

Стивен Спилберг ворвался в массовое сознание зрителей в 1975 году

фильмом «Челюсти» и с тех пор практически ежегодно будоражит мир кино

новыми работами, каждая из которых открывает все новые и новые грани его

блестящего таланта. Нельзя сказать, что критика сразу и безоговорочно

приняла его творчество. Годами его подвергали жестоким упрекам за то, что в

его фильмах нет тематической остроты, социальной и психологической

проблемности, за то, что он уходит в мир технического совершенства, забывая

о «человеческой сущности» кино. Эти выводы ранили Спилберга и, в конце

концов, привели его к созданию прекрасного фильма «Список Шиндлера» (1993),

за который он получил режиссерского «Оскара». В 1982 году он выпустил

картину «Инопланетянин», ставшую одной из самых «кассовых» за всю историю

кино: прокат по всему миру дал небывалую цифру дохода - 720 млн. долларов.

Сегодня Стивен Спилберг очень богатый человек. Его состояние

оценивается более чем в 600 млн. долларов. Он занимается не только

производством художественных фильмов, но и телевизионными сериалами,

мультипликационными фильмами, принимает участие в развитии товарной

индустрии, рожденной на основе его же «фантастических» киномиров,

вкладывает средства в образовательные компьютерные программы и даже

является совладельцем ресторана на подводной лодке. Стивен Спилберг –

образец воплощения «американской мечты», человек, который у многих

ассоциируется с современным кинематографом.

Говоря о кино в США, нельзя не рассказать о ещё одном символе Голливуда

– о премии «Оскар». Премия «Оскар» вручается каждый год начиная с 1929

года. Для участия в 1929 году нужно было заплатить 10 долларов. Желающих

оказалось 250 человек. Все они поместились в банкетном зале отеля «Голливуд-

Рузвельт» в Лос-Анджелесе. Эта была единственная церемония того года,

которую журналисты не удостоили своим вниманием. Уже в следующем году

местная радиостанция вела прямой репортаж, длившийся час. 19 марта 1953

года вручение «Оскара» впервые транслировалось по телевидению.

Сегодня «Оскар» присуждается за лучшие достижения в кино по 24-м

номинациям, а имена победителей до последней секунды остаются в тайне. Но

так было не всегда. Раньше результаты голосования академиков сообщались

газетам заранее с условием публиковать их не раньше 23-х часов в день

церемонии. Но в 1940 году произошёл конфуз: одна газета напечатала имена

победителей раньше срока. С тех пор академия перешла к запечатанным

конвертам, что практикуется до сих пор.

За всю историю присуждения премий советские и российские получали

«Оскар» 6 раз: в 1943 картина документалистов Варламова и Капалина «Разгром

немецко-фашистских войск под Москвой», год спустя «Радуга» Марка Донского,

в 1968 «Война и мир» Сергея Бондарчука, в 1980 «Москва слезам не верит»

Владимира Меньшова, в 1994 «Утомлённые солнцем» Никиты Михалкова и

анимационный фильм «Старик и море» Александра Петрова в 1999.

76 лет назад премии были розданы в приватной, почти семейной

обстановке. И вряд ли кто предполагал, что в будущем эти церемонии вручения

призов станут самыми торжественными событиями во всем киномире, и,

транслируясь сначала по радио, затем по ТВ, превратятся в настоящие шоу,

затмевающие на короткий срок блеск самого Голливуда. Теперь уже сложно

разобраться, кто в ком больше нуждается: Голливуд — в «Оскарах» или пышные

празднества с раздачей статуэток — в голливудском кино.

4. Развитие кинематографа в странах Западной Европы и Азии

В Европе кино развивалось эволюционно. Первые кинофильмы состояли из

одного плана, редко превышавшего одну минуту по продолжительности. Это

действительно были «движущиеся фотографии». Вот что пишет о первых фильмах

критик Хрисанф Херсонский: «Первые киносъемки, сделанные в разных странах

Европы, обладали одной специфической чертой, которую условно называют

однолинейностью. Фильм снимался непрерывно и состоял из одного куска: поезд

приближается к перрону - это фильм, люди выходят из ворот фабрики - другой

фильм».[2]

Первым же, кто показал, что кино может быть использовано не только для

съёмки реальных событий, но и для рассказа различных авантюрных историй,

стал француз Жорж Мельес. Мельес - пионер режиссуры, попробовавший свои

силы почти во всех жанрах. Благодаря своему остроумию, изобретательности и

поразительной фантазии, он создал фильмы, не потерявшие своей

привлекательности и сейчас. В первое десятилетие ХХ века Мельес стал самым

преуспевающим кинопродюсером, но к началу Первой Мировой войны разорился,

не успев приспособиться к новым веяниям в кинематографе. До своего

финансового фиаско ему все-таки удалось увеличить содержательность кино: он

создал серии живых картин, следовавших одна за другой, как пьеса на сцене.

Его самой удачной работой считается фильм «Золушка», снятый в 1899 году.

Первая Мировая Война нанесла огромный урон зарождающейся

кинематографии. В Германии, где кризис общества после войны ощущался

наиболее остро, фильмы имели экспрессионистскую направленность и были

посвящены психопатологическим переживаниям людей, утративших контакт с

окружающей действительностью (режиссеры Р.Вине и П.Лени). Уже тогда экраны

всего мира заполнила продукция голливудских студий. Это были фильмы,

различные по жанрам, стилям и качеству. Различной была и их направленность:

музыкально-развлекательная, семейно-бытовая, остро социальная. Любимым

актером миллионов людей стал Чарльз Спенсер Чаплин, который комическим

гротеском подчеркивал трагедию жизни «маленького человека». Позже Ч. Чаплин

начал ставить картины сам: «Малыш», «Золотая лихорадка», «Огни большого

города», «Новые времена».

Звезды тогдашнего кино – это в основном американцы: Дина Дурбин, Дуглас

Фербенкс, Кларк Гейбл, Герольд Ллойд. В таких странах, как Германия, Япония

и Италия, вплоть до их военного разгрома кино было подчинено целям

фашистской пропаганды. В Германии и Италии широко демонстрировались

«исторические фильмы», которые фальсифицировали действительность и историю

в интересах фашистской идеологии. В Японии широкое распространение получили

фильмы, где воспевалась доблесть самураев, их готовность пожертвовать

своими жизнями во имя императора, пропагандировались насилие и расовая

непримиримость.

Постепенно на первый план в западном кинематографе выходят

психологическая глубина характера, поэтическое отображение жизни, попытка

разрешения проблем «среднего класса», все глубже проявляются

демократические тенденции. Крах фашизма, общая демократизация мира оказали

на кинематограф значительное влияние, породив в нём ряд значительных

явлений. Одним из них был итальянский неореализм.

Первым шедевром неореализма стал фильм, созданный почти документальным

способом, хотя в нем участвовали актеры, и снимался он ещё в оккупированном

Риме. Это был «Рим - открытый город» (1945) режиссера Роберто Росселини.

Катина состояла из ряда эпизодов. В основе которых лежали подлинные факты,

среди них история коммуниста Феррари, преданного и замученного

гестаповцами, священника Морозини, расстрелянного за помощь подпольщикам.

Другое классическое произведение неореализма – картина Викторио де Сика

«Похитители велосипедов». Де Сика отказался от профессиональных актеров: на

роль главного героя пригласил подлинного безработного, а на роль 10-летного

рассыльного Бруно, пригласил мальчика, действительно служившего рассыльным.

Неореалисты брали, как правило, рядовой жизненный факт и анализировали

на экране причины его возникновения и социальные корни. Так, режиссер

Джузеппе Де Сантис, прочтя в газете сообщение о том, как по объявлению,

приглашавшему на работу одну машинистку, пришли сотни девушек и под

выстроившейся очередью обрушилась лестница, сделал это событие основой

волнующего фильма «Рим 11 часов» (1952), касавшегося проблем безработицы.

Неореализм значительно обогатил эстетику мирового кино. Использование

простых житейских историй, приглашение натурщиков, съемки на улице стали

входить в кино многих стран.

В 50-х - 60-х гг. в киноискусство приходят Роберто Росселини и Лукино

Висконти, Микеланджело Антониони, Федерико Феллини - будущие крупнейшие

мастера мирового кино. Именно в их картинах отразилась одна из ведущих

тенденций западноевропейского кинематографа 50-х середины 60-х гг. -

исследование психологии современного человека, социальных мотивов его

поведения, причин смятения чувств и разобщенности между людьми. Об этом

фильмы Феллини: «Дорога», «Маменькины сынки», «Ночи кабирии», «Сладкая

жизнь» и т.д.

Федерико Феллини родился в семье со средним уровнем достатка. Отец был

коммивояжером. В школе мальчик проявлял интерес только к рисованию.

Подробности начала жизни Феллини запутаны. Его фильмы часто автобиографичны

и содержат много воспоминаний, возможно, искаженных и преобразованных из

поэтических соображений и склонностью ко лжи, в которой Феллини сам

признавался.

В детстве он сбежал из дома с бродячим цирком, но через несколько дней

его вернули родителям. Это оставило в его памяти неизгладимое впечатление,

и цирк стал для него долгой страстью и источником вдохновения в работе

режиссера. В последний год учёбы в школе, в 1937 году, Феллини и несколько

его приятелей начали вести бесцельную, пустую жизнь на улицах, которую

режиссер так живо описал позже в фильме «Маменькины сынки».

Осенью 1938 года Феллини уехал во Флоренцию якобы для университетских

занятий. Он провел там шесть месяцев, работая корректором и художником в

журнале комиксов. Затем он прибыл в Рим, где надеялся осуществить свою

мечту и стать знаменитым журналистом. Он записался в юридическую школу

Римского университета, но занятий так и не посещал, используя статус

студента, чтобы избежать призыва в армию. Короткое время работал

полицейским и судебным репортером для газеты «Il Popolo di Roma», затем

рисовал комиксы и писал короткие рассказы для сатирического издания «Marc

Aurelio». Позже Феллини использует свой дар рисовальщика для изображения

персонажей и сцен при подготовке ко всем своим фильмам.

Именно в этот период становления, в Риме Феллини познакомился и

подружился с актером Альдо Фабрици, который сыграл решающую роль в

привлечении Феллини к исполнительскому искусству. Феллини рисовал наброски

для сцен Фабрици, затем сопровождал труппу актера в качестве «поэта», а, по

сути, выполняя разные обязанности: заведовал гардеробом, писал декорации,

был секретарем и актером массовки. Этот опыт позже даст материал для

первого фильма Феллини как режиссера вместе с Альберто Латтуада - «Огни

варьете». В 1940 году Феллини начал писать для радио и работать над

сценариями для фильмов. В начале 1943 года ему удалось избежать воинской

службы. В конце этого года он познакомился и женился на женщине, которая

окажет значительное влияние на его жизнь и искусство, актрисе Джульетте

Мазине.

Вскоре после освобождения Рима, Феллини и несколько его коллег из «Marc

Aurelio» открыли «Мастерскую смешных лиц», аркаду, где американские солдаты

могли заказать быстрые портреты, карикатуры, откровенные фотографии, и

запись голоса для послания родным. Предприятие принесло Феллини и его

друзьям приличные деньги во время жестокого экономического упадка. В один

прекрасный день в магазин неожиданно пришел режиссер Роберто Росселини и

попросил Феллини поработать вместе с ним над сценарием к планируемому

документальному фильму. Проект в конечном итоге привел к полнометражному

классическому фильму итальянского неореализма «Рим - открытый город». Затем

Феллини работал с Росселини как сценарист и ассистент режиссера над фильмом

«Пайза» (1946), а позже дал сюжет для одного из двух эпизодов фильма

Страницы: 1, 2, 3, 4, 5, 6