Св. Лука, рисующий Мадонну (С.-Петербург, Эрмитаж), полиптих Страшный Суд

(Бон (Бургундия), капелля Госпиталя, 1446–1451), Алтарь Бладелена (Берлин –

Далем), Молодая женщина в белом головном уборе (Берлин – Далем) и Филипп де

Круа (Антверпен, Музей изящных искусств).

Некоторые исследователи выделяют группу произведений, относящихся к раннему

периоду творчества Рогира ван дер Вейдена (Алтарь Мероде из музея

Метрополитен и др.). Однако большинство ученых считают, что они принадлежат

Мастеру из Флемаля.

В старинных документах сохранилось несколько разрозненных фактов о жизни

Рогира ван дер Вейдена. Он учился в Турнэ у Робера Кампена (к сожалению, не

сохранилось ни одной картины, которую можно было бы с уверенностью считать

работой этого мастера). Около 1430 Рогир женился на девушке из Брюсселя и

поселился в этом городе. Вскоре начал работать по заказам городского

совета. Один из таких заказов представлял собой четыре аллегорические

композиции для украшения Золотой залы городской ратуши на тему Правосудия.

Среди его заказчиков были очень влиятельные люди: канцлер Никола Ролен и

казначей Питер Бладелен. В 1459 одиннадцать картин Рогира ван дер Вейдена,

написанных по заказу аббата монастыря Сент Обер в Камбрэ, были переданы

туда женой и слугами художника. В 1463 Рогир ван дер Вейден получил письмо

от Бьянки Сфорца, герцогини Милана, в котором она выражала мастеру

благодарность за то, что он принял ее протеже к себе в ученики. Умер Рогир

ван дер Вейден в Брюсселе в 1464.

Сформировался как художник в мастерской Робера Кампена, научившись многому

у Яна ван Эйка, Рогир ван дер Вейден(около 1399-1464)тем не менее сильно

отличался от этих мастеров. Цель своего творчества он видел не в

восхищенном созерцании мира, где повседневное приравнивается к чуду, а в

постижении индивидуальности личности (что делало его глубоким психологом и

превосходным портретистом).

“Св. Лука, рисующий Мадонну” () Рогира ван дер Вейдена. Сюжет произведения

основан на легенде, повествующей о том, что один из учеников Христа, Лука,

был первым, кто создал портрет Мадонны. В середине века, когда появляются

цеховые организации, живописцы Нидерландов провозглашают Луку покровителем

своей гильдии. Рогир ван дер Вейден представил святого в момент творчества.

В отличие от художников немецкого Возрождения, уделявших основное внимание

человеку и изображавших его обычно в центре композиции, нидерландских

мастеров в равной мере интересует и человек и его окружение. Поместив

фигуры Марии с младенцем слева и Луки- справа, всю среднюю часть картины

Рогир ван дер Вейден занялся пейзажем, открыв взору зрителя перспективу

уходящей вдаль реки с городскими кварталами на ее берегах, написанными так

точно и старательно, что в дальнейшем исследователи даже смогли узнать ряд

строений и определить, что это здания старого Брюсселя. Однако бросается в

глаза чрезмерно резкое сокращение размеров фигур- прием, с помощью которого

мастер стремится передать глубину пространства (сравнительно недалеко

расположенные от персонажей первого плана фигурки родителей Марии- Иоахима

и Анны- кажутся поэтому несоразмерно маленькими). В изображении младенца

сказывается недостаточное знание детских пропорций, чувствуется скованность

движений. Нидерландские художники значительно позже, чем итальянские,

овладевают искусством передачи обнаженного тела. Это объясняется не только

влиянием церкви, но и слабым знакомством с античным наследием.

В отличие от своих предшественников, изображавших персонажей картин в

созерцательном состоянии, не раскрывая их эмоций, Рогир ван дер Вейден

стремится к передаче человеческих чувств. Лицо Луки отражает его

взволнованность, он весь поглощен процессом творчества. Это лицо,

несомненно увиденное в жизни, возможно, автопортрет художника.

В центре эрмитажной картины (а это один из нескольких сохранившихся

вариантов произведения) проходит вертикальный шов. В прошлом, когда эта

работа находилась в Испании, ее распилили на две части. В 1850 году

изображение Луки было приобретено в Голландии и поступило в Эрмитаж как

самостоятельное произведение. В 1884 году в Петербург было доставлено

изображение Мадонны. Когда выяснилось, что это две части одной композиции,

их, объединив, перевели с досок на холст. Несмотря на то, что в результате

перевода и под воздействием времени картина несколько поблекла, она и

сейчас радует глаз звучными красками. Мы любуемся красотой ткани и золотым

шитьем платья Мадонны, драгоценными камнями ее украшений, подробно и

любовно написанными деталями одежды.

Сравнивая образы Мадонны нидерландских и немецкого мастеров, нужно отметить

мягкость и теплоту работ нидерландских живописцев. Немецкие композиции

более схематичны, и скорее, напоминают иконы, нежели вольные полотна. Во

всех деталях заключен некий аллегорический, религиозный смысл. Для

сравнения- “Мадонна с куропатками” Ван Дейка имеет скорее театральное

воплощение.

Мне близки более полотна нидерландских мастеров, прекрасное знание

пропорций человеческого тела, мягкость и округлость линий и четкая

обрисовка деталей в которых не может оставить равнодушным ни одного

человека.

Тем не менее, несмотря на разницу восприятия образа Мадонны живописцами,

чувствуется любовь и нежность, которую они постарались перенести на

полотно. И даже через век мы чувствуем то нежное чувство, с которым писался

образ Мадонны- сам образ Матери.

3. Образ Мадонны в современной живописи.

Алексей Кузьмич

Можно не знать Рафаэля и его "Сикстинской мадонны", "Петроградской мадонны"

Петрова-Водкина, двух "Партизанских мадонн" или "Мадонны Биркенау" Михаила

Савицкого, но мадонн Кузьмича знает каждый. Если не видел, то что-то слышал

о них. Ведь Алексей написал этих мадонн не две, не десять и даже не сотню,

а где-то около тысячи. Неудивительно, что самый большой, трехуровневый зал

Союза художников - "Дворец искусств" на улице Козлова почти весь благодаря

содействию главы Минска Михаила Павлова отдан в распоряжение Кузьмича.

Вчера здесь открылась выставка его работ, и не только мадонн...

Его работы не балуют разнообразием, и модель изображения на них узнаваема и

близка каждому. Кто-то утверждает, что это его жена, а младенец на ее руках

или младенцы, ее окружающие, - это их дети. Нет, на картинах Кузьмича

изображена все-таки не конкретная женщина, а именно Мадонна. И в этом его

достижение как художника.

Кузьмич увлеченно, захватывающе, с какой-то пронзительной страстью может

говорить, спорить и превозносить своих мадонн. А еще каяться, смеяться и

плакать над ними. И делает он это эмоционально, искренне. Ведь, как всякий

большой художник, Кузьмич в душе еще и артист. Скажу более, он в

республике, пожалуй, первый и самый последовательный пропагандист, или, как

нынче говорят, менеджер своих работ. Про него написано тысячи, а может,

десятки тысяч журналистских статей - газеты любят сенсации (тысячи

мадонн!!!), ярких, неординарных людей. А еще про Кузьмича снято около сотни

телесюжетов и несколько документальных фильмов. Издан шикарный альбом его

работ. Не говоря уже про то, что его работы тиражируются на разного рода

продукции, не имеющей к искусству никакого отношения (на обложках книг,

календарях, плакатах), что по сегодняшним меркам тоже является залогом

колоссальной популярности, узнаваемости. Поэты посвящают ему и его мадоннам

стихи и песни.

Говорят, за эту немыслимую популярность, а может быть, еще и за эту

напористость, настырность коллеги по ремеслу не очень-то жалуют художника

Алексея Кузьмича, а закупочные комиссии при Министерстве культуры, которым

выделяются деньги из бюджета, не торопятся приобретать работы популярного

художника. А в том, что это явление, я думаю, сегодня уже мало кто

сомневается.

Алексей Кузьмич. Сегодня это имя чаще других встречается на страницах

периодических изданий. Репродукции картин художника украшают большие и

малые журналы. Ему позируют писатели и артисты, кинорежиссёры и

общественные деятели.

Известность, слава. Они пришли к Алексею Кузьмичу на втором десятке лет

творческой жизни, когда начал проясняться её общий замысел, неведомый

поначалу и самому художнику.

По мере создания, картина за картиной, как страница за страницей,

складывается книга творческой жизни живописца. В первой её части

художественный мир Алексея Кузьмича конкретен, ощутима тяга к портрету,

тематической картине. Непосредственные впечатления от встреч с родными

местами, людьми входят в плоть его произведений: "У окна" (1974),

"Воскресный день" , "Девушка и цветы" (обе 1976), "В мастерской художника"

(1977) и другие. Не отрываясь от непосредственного чувственного опыта,

художник хочет самоопределиться: схватить и выразить пластический характер

человека, образ или сущность вещи, её материал, энергию и т.д.

Простые жизненные наблюдения, простые жизненные начала. Как это часто

бывает в начале пути, иные работы подражательны. В них угадываются лица

великих кумиров-учителей, ценимых с ученической скамьи - Тициана, Эль-

Греко, Ван Гога. Но это подражание не слепое, не формальное. Молодой

художник как бы проходит ступени, возведённые до него, чтобы затем

подняться на уровень, где зазвучит уже его, только его мотив. Впереди

обретение мастерства, выход к серьёзным гражданским и общечеловеческим

проблемам. С круга житейских забот центр тяжести перемещается на темы

большого философского звучания; о смысле присутствия человека, о его

нравственном долге, о предназначении женщины - матери - Мадонны, о духовной

роли славянских народов в общечеловеческой эволюции. Художник пристально

всматривается в людские судьбы, чтобы лучше понять жизнь и время.

С удивляющим постоянством Алексей Кузьмич возвращается и возвращается к

теме Мадонны. Он словно соревнуется с мастерами Ренессанса, справедливо

полагая, что высокое искусство Возрождения и сегодня облагораживает и

очищает, несёт успокоение, продолжает нести добро людям, в котором всегда

нуждался человек.

Начало развития темы было положено в 1983 году картиной "Будущие мадонны".

В ней молодость словно всматривается в мир, открывая неизведанное. Образы

естественны и жизненны, почти конкретны. В последующих работах художник

уделяет внимание не столько тщательной проработке деталей, широте передачи

реальных пространственных отношений, сколько продуманной гармонии света и

цвета. Живописец стремится к утончённости и изысканности изображения.

Импульсивный энергичный мазок, вибрирующий свет увеличивают эмоциональную

насыщенность картин. В полотнах "Мадонна Киевской Руси", "Мадонна над

миром" (1987), "Сошедшая с небес" (1988), "Мадонна над Минском",

"Чернобыльская Мадонна", "Мадонна. Вознесение" (все 1989), "Мадонна и

ангелы" (1990) - радость и удивление, терпение и сострадание, страх и

надежда. Главная же идея этих произведении - торжество и величие духа,

жертвенность и страдание во имя людей. Именно ей посвящены картины "Плач

Ефросиньи Полоцкой". "Плач княжны Рогнеды" (обе 1990), весь цикл работ

"Плачущие мадонны".

Мир Мадонны для художника - это и его мир. В нем ответ на бесцветность и

хаос нашего времени.

"Сейчас общество испытывает огромную потребность в реставрации духовных

ценностей, - говорит художник, - самой высокой целью искусства является

утверждение красоты, Божественного в человеке. Искусство должно нести миру

Свечу Духовности, потому что, как и много веков назад, человек и сегодня

стремится к свету и любви".

Природная стойкость и чувство сопротивления заставляют художника снова и

снова обращаться не только к теме возрождения корней, но и к утраченным

связям между человеком и природой, человеком и Космосом. Это всеобъемлющая

идея также находит воплощение в дорогом для художника образе Мадонны.

Тарковский говорил, что в лучших произведениях поэзии наличествует

триединство: мир, язык, художник. В полной мере это относится и к живописи.

Недостаточность одного из компонентов этого единства делает произведение

неполноценным, немощным.

Потеря кровной связи со своей землей всегда гибельна для творца. Осознанно

или не вполне Алексею Кузьмичу удалось это избежать. Устоял он и перед

бурным натиском всевозможных авангардных течений, сохранив в своем

изобразительном языке чистоту и поэзию.

Творчество художника - это его храм. возведенный его воспитанием,

эволюцией, культурой, мыслью. Так в добрый же путь, Алексей Кузьмич!

Кто любит женщину, кто любит мир, кто пишет женщину, тому помогает бог,-

эти слова стали творческим кредо для Алексея Васильевича Кузьмича. Родился

художник в 1945 г. в Мохро - большой красивой полесской деревне на

Брестчине. Отца не помнит. Вернувшись с фронта, он вскоре умер. Растила и

воспитывала Алексея мать Александра Максимовна. Приобщился к искусству

Алексей с раннего детства. Этому помогли двоюродный брат Степан, художник-

самоучка, учитель рисования в местной школе Анатолий Павлович Рубанович и

пять сестер.

После 9 классов будущий художник уезжает в далекий сибирский город

Красноярск. Ему хотелось не столько больших денег и приключений, сколько

познаний. В Красноярске родился Суриков. Здесь много связано с именем

великого художника, есть училище им. Сурикова, блестящая картинная галерея.

Кузьмич приходил туда часто и подолгу простаивал у полотен, восхищаясь

великим непревзойденным талантом. Рядом с училищем - художественная школа

им. Сурикова, куда, к великому счастью, и поступил Кузьмич. Окончил школу -

повестка в армию. После службы Алексей приехал поступать в Минский

театрально - художественный институт, но на приемные экзамены опоздал.

Пришлось идти работать на подшипниковый завод. Там он узнает, что рядом во

Дворце культуры существует прекрасная художественная студия, которой

руководит А. В. Барановский. Показал ему свои работы. Анатолий Васильевич

остался очень доволен и принял его к себе. В студии Алексей еще больше

поверил в себя как художника. На следующий год Алексей Кузьмич поступает в

театрально - художественный институт. Экзамены сдал на "отлично". Учился

охотно. Оставили Алексея Кузьмича после окончания преподавать в институте.

Но вскоре он понял, что не рожден для этого. Ушел из института. Всего себя

направил на самовыражение, на творчество.

15 лет его не признают, не дают выставляться. И только потому, что на своих

картинах он смело приоткрывает таинства красоты женского тела вместе с

высокой духовностью, одухотворенностью. Лишь в 1989 году в Минском Дворце

искусства состоялась его первая выставка. Успех имела огромный. После нее

работы Алексея Кузьмича увидели жители Витебска, Бобруйска, Барановичей,

Гродно, Могилева, Гомеля, Бреста и других городов республики. Лучший

выставочный зал был предоставлен Кузьмичу Союзом художников СССР в Москве.

Здесь особенно остро он ощутил, насколько нужно то, что он создает, людям.

При серьезном, внимательном анализе, изучении творчество Алексея Кузьмича

можно разделить на несколько этапов.

На первом этапе художник противопоставляет женщине-труженице, ударнице,

осужденной революцией и так называемым социалистическим образом жизни на

кабальные условия существования, мадонну. Романтически - возвышенно и смело

изображает ее живописец. Он по существу возрождает в искусстве не только

женщину, какой она есть от природы, а и утраченную духовность народа.

На другом этапе творчества Алексея Кузьмича мадонна более реальная, земная,

исторически конкретная. Он чувствует в себе потребность показать трагизм

событий на определенных исторических сломах.

Впечатляет, если не сказать потрясает, картина "Красная мадонна". На голове

женщины, доброй, искренней, повязан красный платок. Он плотно облегает

плечи героини до пояса, создавая искаженной, деформированной формы

идеологический круг-ореол. Никак не вырваться мадонне из этого порочного

круга, он ее душит, угнетает и унижает. В отчаяньи, утратив веру стать

свободной и независимой, мадонна плачет. Планетарная печаль на ее красивом

лице.

В картине "Рогнеда" полоцкая княжна также плачет. И этот плач также

исторически оправданный. Рогнеда как бы поднимается над временем и

пространством. В ее широко открытых глазах и печаль, и ужас, и упрек, и

мольба. Волосы локонами, веероподобно рвутся в небо. Оттуда женщина

спустилась, чтобы посмотреть, что поменялось на земле за ее отсутствие, что

люди собой представляют. Принесла из глубины веков свои обиду, боль,

протест нам, людям.

Впервые во всемирной истории искусств плачущие мадонны появились на

полотнах Кузьмича. Белорусский художник нарушает устоявшиеся каноны, идет

от противоположного. Плач мадонн - это плач его собственной души, которая

неистово ищет выхода, израненная и доведенная до высшей степени протеста в

бесчисленных столкновениях с противоречиями развития нашего общества. Нужно

быть очень благодарным художнику за его великую гражданственность,

патриотизм, непоколебимое желание видеть свой народ свободным и счастливым.

Детство Алексея Кузьмича прошло в большом селе Мохро на Брестчине в

многодетной крестьянской семье. День его рождения - 1 июня 1945 года

запомнился сельчанам большими пожарами, случившимися от удара молнии.

Рассказывали, что его мать Александра Максимовна восприняла их как

знамение, сулившее сыну большое будущее. Василий Феодосьевич Кузьмич, отец

Алексея - потомок старинного шляхетскою рода. Когда мальчику было полтора

года, отец умер, сказались ранения, полученные на фронтах Великой

Отечественной войны.

Александра Максимовна одна воспитала семерых детей, уповая на труд, Бога и

добрых людей. Сестры увлекались рукоделием. Несмотря на трудности жизни, в

доме часто звучала песня.

Пожалуй, наиболее яркие воспоминания детства Алексея связаны с весьма

почитаемым в селе человеком Рубановичем Анатолием Павловичем, художником,

другом отца. Это был действительно интересный, широкой культуры,

высокообразованный человек (учился в Варшаве, Париже, Вене). Мальчика

связывала с ним трогательная дружба. Тогда-то и состоялось первое

приобщение к искусству. Алексей впервые услышал имена: Тициан, Веласкес,

Ван Гог, увидел репродукции их картин. Развитию природных способностей

мальчика способствовал и двоюродный брат Алексея, Степан Кузьмич, одарённый

самодеятельный художник.

Старшие дети входили в самостоятельную жизнь. Дороги странствий влекли и

Алексея. В 1962 году шестнадцатилетний юноша едет в Красноярск, где живут

ею дальние родственники. Работает, посещает классы художественной студии.

После службы в армии в 1968 году возвращается на Беларусь, живет и работает

в Минске. Здесь началось систематическое художественное образование Алексея

Кузьмича. Вначале в студии изобразительного искусства под руководством

замечательного педагога и художника А. В. Барановского, затем - в

Белорусском государственном театрально - художественном институте, где

преподавали В. Суховерхов, П.Крохолев, Н.Воронов. У П.Воронова Алексей

Кузьмич перенял свободную манеру письма, владение цветом. Уроки же главного

учителя, коим считает Алексей А.Барановского, оставили в формировании

молодого художника не только профессиональный, но и нравственный след.

С окончанием института наступает время активной самостоятельной творческой

деятельности. С 1975 года Кузьмич - участник художественных выставок. В

1981 году народный художник Республики Беларусь Л.Щемелев, заслуженные

деятели искусств П.Крохолев и П.Стасевич рекомендуют Кузьмича в Союз

художников. В этом же году состоялась первая персональная выставка

произведений художника.

Картины Алексея Кузьмича приобретаются Государственными музеями республики,

многими отечественными и зарубежными коллекционерами. Коллекция данной

выставки сложилась из картин написанных на протяжении всего творческого

пути, она достаточно полно позволяет оценить индивидуальные особенности и

потенциал художника.

Михаил Савицкий

Думая о создании синтетического, обобщающего образа республики-партизанки,

Савицкий исходил из конкретного и не имеющего себе подобного в истории войн

факта—две трети территории оккупированной Белоруссии контролировались

партизанскими соединениями. В этих зонах (в глубоком тылу врага!) была

Советская власть - работали сельсоветы, школы, люди трудились и выходили на

боевые задания. Сам факт говорит о могучих жизненных силах народа, который

нельзя ни покорить ни уничтожить. Его осмысление художником и вызвало

образ, извечно олицетворяющий продолжение и торжество жизни, — мадонну.

Две картины с одним и тем же названием ,,Партизанская мадонна" (рис. 12)

создал Михаил Савицкий. Первую — в 1967 году. В центре ее - образ молодой

крестьянской матери с крепкими босыми нотами и загорелыми натруженными

руками. Она сидит кормит грудью ребенка. Голова туго повязана темно-синим

платком. Накинутая на плечи красная шаль превращает белую блузку и черную

юбку в торжественное одеяние. Иконная красота цветового созвучия дополнена

золотом холмистой земли, где, как в мирное время, так и в годы войны,

женщины жали хлеб. Ритм их согнутых спин, образующих серповидный полукруг,

в гори г линейным ритмам в изображении молодой матери, певучей плавности ее

силуэта. Она и земля — единый образ гармонии бытия народного. Но драматично

противопоставлены ему резкие перекрестные ритмы винтовок и решительная

поступь тех, кто уходит в бой... Словно окаменела в тяжком раздумье старая

женщина. Да, Отечественная война требовала жертв. И в исторических битвах

особенно явственно виден великий смысл материнской любви и материнского

подвига. Без эффектных действий и фраз, он прост и неизбежен, как сами

военные будни.

В „Партизанской мадонне" слышится песенное звучание величавого народно! о

эпоса о преданности и мужестве, о родной земле и ее защитниках.

В 1978 году, когда одна за другой с промежутком не более чем в два месяца

появлялись в мастерской Савицкого картины антифашистской серии, художник

создал вторую «Партизанскую мадонну». В названии ее лишь отмечено —

«Минская» (рис. 13).

Государственный художественный музей Белоруссии заказал Михаилу Андреевичу

копию или вариант первой картины, Но, как говорит художник, повторять себя

у него нет времени. Каждая работа должна быть движением вперед. И он

написал на ту же тему совершенно другую картину, которая не только не

уступает художественным достоинствам первой, но и несет новое содержание.

Здесь молодая мать представляет в вертикальном формате полотна. (Первое -

почти квадрат.) Она как бы приближается к нам. Два взгляда ~ матери,

взволнованной, и сына, полного недетской серьезности, — устремлены на

зрителя. Такой двуединый образ более эмоционально-динамичен, взывает к

открытому и доверительному контакту. Словно преодолен барьер

самоуглубленности, ощутимый в первой картине, в которой величавая эпичность

сплавлялась с чертами жанровой сцены. В новой преобладают торжественность

идеала и патетическое чувство преддверия нового.

Воспевая духовную красоту народа в годы военных испытаний, художник говорит

о чувствах, которыми вечно живо человечество. Непреходящий смысл первого

образа прочитывается в преломлении традиций древнерусской живописи. Он

связан с „Петроградской мадонной" К. Петрова-Водкина В этом - созвучие

времен...

Вторая картина обращена к традициям итальянскою Возрождения. Они сказались

в стилистических признаках: развито вглубь пространство, активнее стала

пластическая лепка. В композиционной схеме н силуэтном решении, в

интерпретации мотива жертвенного несения ребенка — символа новой жизни и

новой надежды — ясно прочитывается аналогия с рафаэлевской «Сикстинской

мадонной».

В современной творческой практике все чаще встречаются прямое обращение к

классическим аналогом. И это не предосудительно. Если первооснова всякого

искусства — бытие и его идеалы, то во второй его исток — накопленный

человечеством художественный опыт. Использование его в творчестве

современного художника так же правомерно, как применение ученым

предшествующих открытий. Весь вопрос в том, сколь талантливо проецировано

на современность классическое произведение, сколь оправдано замыслом

автора.

III. ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Сколько мадонн создано живописцами с древности до наших дней! У каждого

времени – своя мадонна. Своя она и у каждого художника. Ведь слово

«мадонна» означает «моя женщина» …. С этим значением соединился образ

материнства как неотъемлемый от представления о прекрасной женщине,

исполняющей главную жизненную миссию. Уже в формах культовой живописи этот

образ стал воплощением гуманных, общечеловеческих понятий. Поэтому он

органично перешел в светскую живопись. С течением времени его гуманное

содержание освобождалось от религиозной оболочки. Изображая мадонну с

младенцем, художники редко отказывают себе в удовольствии добавить птичку,

или вазочку с цветами, или какой-нибудь искрящийся стеклянный шар на

подлокотнике кресла.

Художники эпохи Возрождения изображали в своих картинах не просто женщину,

а мадонну. Великие живописцы создавали себе свой образ женщины, который

являлся перед нами в образе святой.

IV. ПРИЛОЖЕНИЕ

Леонардо да Винчи «Дама с горностаем» (1484 г.)

Рис. 1

Леонардо да Винчи “Мадонна Литта” (1478-1784гг).

Рис. 2

Леонардо да Винчи “Джоконда”

Рис. 3

Рафаэль «Флорентийские мадонны»

Рис. 4

Рафаэль «Мадонна Конестабиле».

Рис. 5

Лукас Кранах Старший “Мадонна с младенцем

под яблоней”

Рис. 6

Антонис ван Дейк “Мадонна с куропатками”.

Рис. 7

Робер Кампен “Мадонна с младенцем у камина”

Рис. 8

Рогир ван дер Вейден “Св. Лука, рисующий Мадонну”

Рис. 9

Алексей Кузьмич «Юная Даная» (1986 г.)

Рис. 10

Алексей Кузьмич «Мадонна с младенцем» (1995 г.)

Рис. 11

V. Список иллюстраций.

Леонардо да Винчи «Дама с горностаем» (1484 г.)

Леонардо да Винчи “Мадонна Литта” (1478-1784гг).

3.Леонардо да Винчи “Джоконда”

4.Рафаэль «Флорентийские мадонны»

5.Рафаэль «Мадонна Конестабиле».

6.Лукас Кранах Старший “Мадонна с младенцем под яблоней”

7.Антониса ван Дейк “Мадонна с куропатками”.

8.Робер Кампен “Мадонна с младенцем у камина»

9.Рогир ван дер Вейден “Св. Лука, рисующий Мадонну”

10.Алексей Кузьмич «Юная Даная» (1986 г.)

11.Алексей Кузьмич «Мадонна с младенцем» (1995 г.)

12. Михаил Савицкий «Партизанская Мадонна»

13. Михаил Савицкий «Партизанская Мадонна» «Минская»

14. Рафаэль «Сикстинская Мадонна»

VI. Список использованной литературы.

1. Любимов Л.Л. “Небо не слишком высоко”- М: “Просвещение”, 1989 г.

2. Муранов П.П. “Образы Италии”- Москва: “Республика”, 1994 г.

3. Персианова О.М. “Эрмитаж. Путеводитель по залам музея”- Ленинград:

“Аврора”, 1985 г.

4.Шапиро Ю.Г. “Эрмитаж. По выставкам и залам”- Л: “Искусство”, 1983 г.

5. Энциклопедия искусства. том 7.//ред. М.Д. Аксенова, Москва: “Авента+”,

1997 г.

6. Белова О.Ю. «История искусств»: М., Издательство «Аквариум», 1997 г.

7. Долгополов И.В. «Рассказы о художниках»: 1,2 тома.- М., Изобразительной

искусство, 1982 г.

8. М.Савицкий, Минск, 1982 г.

9. Б.А. Лазука «Гiсторыя Мастацтва» - Мiнск, 1996 г.

-----------------------

Страницы: 1, 2, 3