Б. ван дер Аст, с его поисками внешней занимательности натюрморта, шел по ложному пути, отвергнутому его последователями, но беспредельная любовь художника к малым формам и мельчайшим деталям предметного мира стала национальной чертой голландского  натюрморта. Подобных бабочек, мух стрекоз, у которых тщательно выписаны все перепонки на крыльях, мы встретим позже у многих голландских натюрмортистов, вплоть до середины ХУ111 века.

Однако главные черты натюрморта как жанра вырабатываются в харлемских "завтраках". Обилие яств и посуды в ранних работах харлемских  живописцев напоминает о происхождении этого жанра от торжественных стодол, изображавшихся на групповых корпоративных портретах. От показа этого обилия, способного удовлетворить аппетит  многих, жанр эволюционировал в сторону  скромного завтрака или закуски на одну персону, от праздничной торжественности и порядка еще не нарушенного следами пиршества, - к интимности и "живописному" беспорядку, учиненному присутствием здесь человеком.

Создателями более демократического варианта "завтраков" были харлемские живописцы  В. К. Хеда и П. Клас.  "Действующими  лицами" их натюрмортов стали немногочисленные и, как правило, очень скромные по своему внешнему виду предметы повседневного домашнего быта.  Голландский художник сумел увидеть за вещью человека, разглядеть в предмете общественно-историческое содержание.   Опрокинутый бокал, скомканная скатерть, небрежно поставленная тарелка – эти проявления незримого присутствия хозяина отражают его индивидуальный вкус, его образ жизни.

Питер Клас (1597 – 1661) был первым мастером, сосредоточившим все свое внимание на изображении предметов, окружающих человека в его повседневной жизни. "Трубки и жаровня" (1636) – лучший тому пример.

Глиняный кувшин и стакан с пивом, жаровня, в которой тлеет торф, две глиняные трубки из  Гауды, известного центра их производства, табак на оловянной тарелке и табакерка – что может быть обычнее? Художник так располагает предметы в пространстве и на плоскости, что образуется диагональ, объединяющая их и подчеркивающая направление светового потока. Приглушенная колористическая гамма позволяет все же оценить и серо-голубой цвет кувшина, и розовый  - грелки, и красно-коричневый – стакана с пивом.

 Значительно тоньше сгармонирован по цвету "Завтрак с ветчиной" (1647). Локальные цвета  предметов подчинены нежному серебристому тону, прозрачная светотень мягко лепит объемы, очень сдержанно выявляя фактурное разнообразие вещей.

На этом этапе голландские натюрморты ищут в первую очередь качества, которые объединяют предметный мир в целостную картину. Питеру Класу принадлежит здесь честь открытия тона и световоздушной среды как главнейших средств выявления этого единства и даже честь создания целого жанра так называемых "монохромных завтраков".

Виллем Клас Хеда (1594 – 1680\82), автор "Завтрака с омаром" (1648), - второй ведущий мастер жанра "монохромных завтраков".   Колорит его произведений в большей степени, чем у Класа, подчинен тоновому началу, и его натюрморты состоят из предметов, почти лишенных ярких локальных цветов: цинковые кувшины, оловянные тарелки, прозрачное или зеленоватое стекло, серебряный или иногда, позолоченный кубок. Эти оттенки серебристо-серой гаммы тонко соотнесены с серым "воздушным"  фоном и белой или оливково-зеленой скатертью.

Композиция натюрмортов Хеды строго продумана и всегда крепко построена. За кажущей случайностью расположения вещей скрывается тонкий расчет на контраст различных материальных качеств предметов и настойчивое желание полнее рассказать о каждом из них. Этим же целям служит льющийся спокойным  потоком свет, посредством многочисленных рефлексов обобщающий все предметы.

Вокруг П. Класа и В.К.Хеды образовалась большая группа последователей, работавшая в традициях жанра "монохромных завтраков". Среди них амстердамские мастера Ян Янс Трек (ок.1606 – 1652) и Паулюс ван ден Бос (1614 – 1664).

На пути к дальнейшей демократизации жанра натюрморта важную роль играла "роттердамско-тенирсовская группа"  живописцев, создавшая тип "кухонного натюрморта", который имел распространение как во Фландрии, в кругу Д.Тенирса Младшенго, так и в Голландии, где в развитии этого жанра участвовали главным образом роттердамские мастера – братья Корнелис  и  Херман Сафтлевены,   С.М. Сорг,          Э. ван дер Пул,    а также харлемец    Ф. ван Схотен    и мастер из Мидделбурга    Ф.Рейкхалс.

Флорис ван Схотен (ок.1599 – после 1655), которого можно считать родоначальником жанра, воскрешает в своей большой картине "Домашняя утварь" традиции нидерландских мастеров середины ХУ1 века –               П. Артсена и И. Бекелара.    Он изобразил все эти горшки, кувшины, чашки, плошки, сковороды, котлы и бочки не в интерьере, а под открытым небом, на крестьянском дворе, куда их выносит во время уборки молодая хозяйка под наблюдением хозяина. Но это не жанровая сцена: присутствие человека здесь всего лишь одухотворяет предметный мир.

Такова позиция и Франсуа Рейкхалса (после 1600 – 1647), у которого на картине "Кухня" (1638)  хозяйка совсем затерялась среди кучи овощей и кухонной утвари.

Лучшие достижения кухонного натюрморта связаны с деятельностью братьев Корнелиса и   Хермана  Сафтлевенов.

Херман Сафтлевен Младший (1508 – 1685), обратившийся к этому жанру под влиянием старшего брата, Корнелиса, уделяет большое внимание пространственной характеристике среды. Главным выразительным средством у него становится тонко градуированная светотень, благодаря которой и многочисленные предметы, занимающие обычно весь передний план картины, и сопровождающие их люди органически вписаны в интерьер.

В картине "Кухня" (1659) Филипса ван Ангела (1616 – после 1683) тот же самый мотив обретает новое звучание. Металлическая посуда, стоящая вокруг бочки, вместе с битым петухом, висящим на столбе, образуют центр композиции, наиболее ярко высвеченный и выделенный цветом.  Остальное пространство строится по концентрическим кругам, расходящимся от этого центра и как бы затухающим в тоне и цвете.  Один из этих кругов включает кошку, охотящуюся за мышью, второй – женщину с ребенком, третий, почти совсем монохромный, - лестницу, окно и камин.

Главной особенностью этой разновидности натюрморта было, как мы видели, наряду с демократизмом тематики, большее, чем обычно при изображении предметов, внимание к окружающей среде и присутствию в ней человека.

Демократизация содержания и форм натюрморта проявилась и в творчестве  П. де Пюттера и А. ван Бейерена, создавших едва ли не самую популярную в Голландии разновидность этого жанра – изображение речной и морской живности.

Питер де Пюттер (до 1600 – 1659) может служить примером очень ранней узкой специализации голландского натюрморта.  Главной и почти единственной темой его творчества были рыбы, даже лишь  два их вида: щука и окунь. Подобное самоограничение в начале ХУ11 века было очень смелым шагом и свидетельствовало об уверенности художника в том, что избранный им жанр будет иметь успех у голландцев – нации рыбаков и мореплавателей. Его "Рыбы и кувшин на столе", простое по композиции и скупое по цвету произведение, привлекательно именно благодаря своей лапидарности.  Вся композиция строится на повторе  плавных линий тела окуня, лежащего на краю стола, в очертаниях других предметов – рыб, кувшина, изгибов скатерти, -  благодаря чему возникает единый волнообразный ритм.

Большой натюрморт "Рыбы на берегу моря"  принадлежит ученику де Пюттера, лучшему "живописцу рыб" Абрахаму ван Бейерену (1620\21 – 1690).   Морской улов, вываленный из корзины на берег,  включает – помимо  рыб – крабов, омара, устриц, ракушек, морских звезд.  Блестящая влажная чешуя, насыщенный  водяными парами воздух, свет и тени, бегущие по песчаным дюнам и синевато-серой поверхности воды, по рыбацким парусникам и фигурам моряков на берегу, создают правдивую картину жизни голландского побережья. Следует отметить, что               ван Бейерен писал также морские виды. Образцом его работы в этом жанре может служить пейзаж в глубине рассматриваемой картины.

Тональный колорит господствует в натюрмортах мастера 1640 – 1650-х годов, хотя отдельные пятна красного, розового и синего цветов уже оживляют монохромное видение мира.  Бейерен,  конечно, знал работы своих фламандских современников  А. Адриансена и                    Ф. Снейдерса  (на это указывает  его стремление к монументальным композициям), но декоративное начало фламандского натюрморта было ему абсолютно чуждо. Голландский характер мастера обнаруживается, как только он переходит к более скромным вариантам темы.

Лучшим примером этого является натюрморт "Рыбы в корзине". Угол  стола и стены  с лежащей в корзине семгой и подвешенной на крюк камбалой  освещен  падающим слева направленным светом, создающим повышенный контраст света и тени;  в противопоставлении розового среза семги и зелени овощей намечается и цветовой контраст.

В поздний период творчества ван Бейерен обращается к теме "завтраков", но не в прежнем скромном, типичном для Класа и  Хеды, а в роскошном и пышном варианте, который будет характерен для второй половины ХУ!1 столетия.   "Закуска", где помимо краба , креветок, вина и фруктов, изображены золотые часы и серебряная чаша, свидетельствует о новых вкусах голландского общества, точнее – его господствующей верхушки.  Оранжево-красная скатерть, синяя ленточка часов, яркая желтизна лимона и серебристые рефлексы на стекле и металле говорят об отказе от монохромного начала, о новом понимании колорита.

Это явление находит свое объяснение в исторической обстановке в Голландии, когда после заключения Мюнстерского мира (1648) упрочилось международное положение республики и окрепла власть господствующих классов внутри страны, положив предел дальнейшему развитию многих прогрессивных и демократических явлений. Предметный мир в жизни Голландии второй половины века выступает все чаще в качестве свидетельства могущества национальной буржуазии.  Богатство и роскошь на одном полюсе и бедность и нищета – на другом заставили художников почувствовать  опредмеченные в вещах имущественные отношения.

 Отныне предмет в натюрморте выступает главным образом не в его функциональной, повседневно практической роли, а в праздничной, подчеркивающей его "избыточные" свойства -  блеск, роскошь, изящество, соответствие изысканному вкусу.

Именно в этот период на основе реалистических достижений голландской живописи первой половины века и открытий Рембрандта в области светотени и колорита расцвело искусство самого выдающегося из натюрмортистов  Голландии – Виллема Калфа.

 В истории многочисленных разновидностей жанра натюрморта Калфу выпала задача завершить создание  "роскошного"  натюрморта, который занял видное место в изобразительном искусстве второй половины ХУ11 века.

Уже учитель Калфа, автор "кухонных" натюрмортов Франсуа Рейкхалс, писал в последние годы жизни серебряные и позолоченные блюда и бокалы, китайский фарфор и венецианское стекло в сочетании с фруктами, омарами и другими изысканными яствами. "Плоды и омар на столе" (1940) -  одна из лучших работ Рейкхалса. Несмотря на перегруженность, композиция держится четким противопоставлением горизонталей и вертикалей, а сами предметы переданы тонким и острым рисунком с выявлением их фактурных качеств. Впечатление цельности композиции поддерживается единым серо-коричневым колоритом.

Виллем Калф (1622 – 1693), крупнейший голландский натюрмортист второй половины ХУ11 века, исходил в своем творчестве из достижений Ф. Рейхкале  и Я. Трека. К первому из них он был близок широтой тематики: у обоих можно встретить все разновидности жанра натюрморта – от "кухонного" до "роскошного".  К "кухонному" натюрморту Калф обратился еще в свои молодые годы, которые он провел в Париже.    Но обе ранние работы  - "Уголок кухни" и "Двор крестьянского дома" – написаны им позже,  в Амстердаме, после знакомства с творчеством Рембрандта,  влияние которого было решающим в становлении его как художника.

Никто другой, включая и самых талантливых учеников Рембрандта, не мог достичь того богатства и тонкости светотени, той сочности и глубины как бы изнутри светящихся красок, того горячего золотистого колорита, какие отличают произведения Калфа.

 Изображая те же, что и его предшественники, обыденные, "демократические" предметы домашнего обихода: старую бочку, глиняный горшок и медный котел, - художник сумел открыть волшебное воздействие на вещи золотистого солнечного света, который превращал этот бедный крестьянский скарб в изысканные произведения ювелирного искусства.  В умении видеть живописную сторону предмета, в мастерстве перевода прозы материальных вещей  на поэтический язык живописи Калф не имел соперников.

Но  чаще это богатство живописных качеств сочетается в натюрмортах Калфа с роскошью и пышностью предметного мира, вошедшего в быт знатного буржуа второй половины ХУ11 века.

Картина  "Десерт" – подлинный шедевр мастера. Она свидетельствует  о победе новых качеств  в натюрморте: яркой красочности, золотистого колорита, выразительной светотени и подвижной живописной пластики.

Виллем ван Алст и Юриан ван Стрек в своих лучших произведениях не уступали Калфу в изобразительном мастерстве, однако никогда не достигали его поэтической силы.

"Натюрморт с фруктами" (1681) Виллема ван Алста (1625\26 – после 1683) отличается исключительно высоким и виртуозным, но уже несколько холодным мастерством. И персики, и вишни, и виноград исполнены очень точно, но безжизненно.    Несравнимо живее написан натюрморт "Закуска", созданный в более ранние годы.

Юриан ван Стрек (1632 – 1687) любил, как и Калф, изображать изящные предметы и изысканные завтраки. В его натюрморте "Закуска" с фарфоровым китайским кувшином соседствуют европейские часы, а южные апельсины и грецкие орехи – с голландской сельдью и  луком. Все эти предметы погружены в мягкую полутень, которая становится еще заметнее рядом с палевой занавеской,  перекинутой через медный прут.

Задуманный как "обман зрения" этот мотив деликатно введен в живописую ткань картины, подчеркивая глубину пространства и оживляя колорит. Часы, которые голландские натюрмортисты нередко включают в свои композиции, являются символом быстротечного времени. Богатая красочная гамма, сочный глубокий цвет, разнообразие тоновых переходов и тонкая светотень, отличающие произведения ван Стрека, ставят его в ряд крупнейших представителей голландского натюрморта.

Интерес к символике и эмблематике  был в ХУ11 веке особенно велик, особенно в Голландии. Но символика, демонстративно выставляемая напоказ в аллегорических картинах других стран, в Голландии включается в произведения иных жанров – бытовую сцену, натюрморт, портрет, даже пейзаж как их естественная деталь; она выступает здесь в завуалированной форме, раскрывая второй, подспудный смысл картины.

Нигде, пожалуй, кроме Голландии, не встречаются изображения карманных часов в натюрмортах типа "venitas".  Карманные часы вошли и в иконографию классического голландского натюрморта типа "Завтраков".   Они символизировали здесь идею "умеренности".  При этом особая любовь голландцев к тщательному выписыванию мельчайших деталей определила их обращение к изображению открытого часового механизма, что не по силам было, пожалуй, художникам других школ.[2]

Искусство во Фландрии достигло расцвета уже в начале  ХУ11 столетия, в то время как в Голландии оно проходило  лишь период становления. Это связано с тема, что еще в ХУ – ХУ1 веках на юге Нидерландов были сконцентрированы основные художественные центры, так что и до Нидерландской революции искусство там было более развито, чем на севере.

Наибольшего расцвета достигла живопись, во главе которой стоял Рубенс вместе со своими сподвижниками – Ван-Дейком, Снейдерсом, Иордансом, Броувером.

Рубенс, закладывая основы новой фламандской живописи, отталкивался не от маломощных нидерландских романистов, а прямо от искусства Италии, где он прожил в молодости несколько лет. Его вдохновляли произведения венецианцев Высокого Возрождения. Собственно, итальянское барокко для   Рубенса не было образцом – вернувшись в 1608 году в Антверпен, он сам стал создавать фламандскую школу барокко параллельно итальянской, а не следом за ней.[3] 

Страницы: 1, 2, 3