правила построения изображения на плоскости были в центре внимания таких

известных художников как Леонардо да Винчи, Дюрер.

“Рисунок, который иначе называют искусством наброска, есть высшая

точка и живописи, и скульптуры, и архитектуры; рисунок - источник и корень

всякой науки,” - писал великий итальянский художник эпохи Возрождения

Микеланджело Буанарроти (1475-1564).

Длительное время рисунок служил лишь вспомогательным материалом для

художника. В эпоху Ренессанса, в эпоху наблюдения за натурой, рисунок

освобождается от зависимости и начинает становиться самостоятельной

ценностью (17-18 в.в.). Сначала для рисунка используют сангину, уголь,

серебряный карандаш. Позже появляется графитный какандаш и резиновый

ластик. В 19 веке авторская графика становится совершенно независимой от

живописи. Возникают краски на водной основе (акварель, гуашь). В 20 веке

возникает цветная тушь.

Рассмотрим особенности различных техник рисунка:

Перо - используется для рисунка жидкими красящими веществами (тушь,

чернила, акварель). Ранее использовали гусиные, тростниковые и соломенные

перья. В настоящее время в художественной практике распространены

металлические перья различных размеров и форм. В зависимости от формы

наконечника пера (узкого, острого, тупого, широкого или закругленного)

получают различные линии и штрихи, дающие возможность как передать большую

форму, так и прорисовать мельчайшие детали. Рисунки, сделанные пером,

трудно исправлять, так как раствор красителя глубоко проникает в структуру

бумаги. Перовая техника требует от художника большой собранности,

аккуратности, самодисциплины.

Уголь - чрезвычайно мягкий, податливый материал, отличающийся красивой

матовой фактурой. Изготавливается из равномерно обозженных тонких веток или

обструганых палочек липы, ивы или других пород деревьев. В 19 веке получил

распространение твердый уголь из пресованного угольного порошка c

добавлением растительного клея (сухой грифель). Линии и штрихи, нанесенные

на бумагу с шероховатой поверхностью палочкой рисовального угля, плохо

соединяются с бумагой и осыпаются. Законченные рисунки, выполненые

сыпучим углем, нуждаются в закреплении специальным раствором-фиксатором. В

отличие от натурального рисовального угля палочки из спресованного

угольного порошка дают жирные вязкие линии, которые очень трудно удаляются.

Техника рисунка углем разнообразна, так как заточенным стержнем или

палочкой угля можно проводить тонкие четкие линии, а боковой стороной

закрывать целые поверхности. Работая торцом угля и плашмя, меняя силу

нажима и поворот угольной палочки, направление штрихов. Можно добиться

большой выразительности рисунка, решать светотеневые и объемно-

пространственные задачи. (Художники, работавшие углем: Х. Гольбейн (1497

- 1543), Ж. Энгр (1780 - 1867), И. И. Шишкин (1832-1894), В. А. Серов (1865

- 1911), И. Е. Репин (1844 - 1938), Н. И. Фешин (1881 - 1955).)

Сангина - так же как и уголь, широко применяется в рисунке. Изготавливается

сангина в виде палочек без оправы различных красно-коричневых тонов. В

отличие от натуральной искусственная сангина производится из каолина и

окислов железа. Заточенные палочки сангины дают тонкие линии и штрихи. Как

и углем, сангиной можно работать торцом палочки и плашмя. Она хорошо

растирается различными растушевками, резинками и тонкими наждачными

шкурками. При растирании сангина несколько меняет цвет и фактуру, но и эти

качества могут быть использованы как новые выразительные средства в

рисунке. Техника сангины дает возможность добиться тонких тональных

переходов. Наиболее часто употребляется теплого красно-коричневого тона.

Близкого к телесному. Во время работы палочку сангины можно смачивать, что

позволит добиться большего разнообразия толщины и плонтности штриха. К

недостаткам сангины относятся сложность в передаче глубины теней.

(Живописной техникой сангины виртуозно владели великие мастера: Леонардо да

Винчи, Микеланджело, Рафаэль (1483 - 1520, П. П. Рубенс (1577 - 1640), А.

Ватто (1684 - 1721), Ж. О. Фрагонар (1732 -1806), Ж. Б. Шарден (1699 -

1779).)

Пастель - сухие, мягкие, цветные мелки без оправы, изготовленные из

спресованных, стертых в порошок пигментов с добавлением клея, молока, мела

и гипса. Пастели присуща матовая фактура, чистота, мягкость красок, как

правило, долго сохраняющих первоначальную свежесть. Рисунок цветными

мелками приближает графику к живописи. Пастельными карандашами (палочками)

рисуют на шероховатой бумаге, картоне. Нежную, бархатистую поверхность

пастели необходимо оберегать от малейших прикосновений и сотрясений. Чтобы

сохранить рисунки, выполненные пастелью, их не закрепляют фиксативом (от

этого пастель теряет бархатистость и чистоту цвета), а осторожно

окантовывают и застекляют в раму. Так называемая “чистая пастель”

выполняется штрихами и пятнами в один красочный слой. Но цвета пастели

можно смешивать, нанося один слой на другой и растирая их растушевкой или

рукой. (Широко известны произведения, выполненные в технике пастели,

зарубежных мастеров: Л. Караччи (1555-1619), Х. Гольбейна, Э. Манэ (1832-

1883), Э. Дега (1834 - 1917). В России - И. И. Левитан (1860 - 1900), В. А.

Серова.)

Соус - жирные черные палочки циллиндрической формы диаметром 8-10 мм.

обернутые в станиолевую бумагу без оправы, изготовленные из спресованного

порошка, сажи или угля с добавлением клея. Можно работать линией, штрихами,

пятнами с применением растирки (сухой соус) и растворенным в воде соусом

кистью (мокрый соус). В рисунке соусом мокрым способом, как и в живописи,

применяются остроконечные и плоские кисти из обезжиренного прокаленного

волоса или шерсти различных животных - беличьи, барсучьи, колонковые и

других.

Рисунок кистью помогает решать сумму задач: переход от линии к тону и

наоборот, что очень важно для выявления общих отношений и характерных

деталей, совмещать тональную широту с тонкой прорисовкой.

На грани живописи и графики находится не только пастельная

техника, но и техника акварели и гуаши.

Акварель - от латинского aqua - вода - краски, обычно на растительном клее,

разводимые водой. Работы выполненные непрозрачной акварелью с примесью

белил появились еще в Древнем Египте, античном мире, в средние века - в

Европе и Азии. До нас дошли произведения, выполненные художниками на

папирусах и рисовой бумаге. В средние века в Западной Европе и на Руси

акварель употребляли для украшения церковных книг (раскраски орнаментов,

заглавных букв в рукописях), а затем и в создании миниатюрных работ, при

ручной расскраске печатных книг. Чистая акварель - без примеси белил -

получила широкое распространение в начале 15 века. Ее основные качества -

прозрачность красок, сквозь которые просвечивает тон и фактура основы

(главным образом бумаги, реже - шелка, слоновой кости), чистота цвета.

Акварель совмещает в себе особенности графики (активная роль бумаги в

построении изображения и в передаче художественного образа) и живописи

(богатый тон, построение формы и пространства цветом). Специфические приемы

акварели - размывка и затеки, создающие эффект подвижности и трепетности

изображения. В акварель выполняемую кистью часто вводится рисунок пером или

карандашом. В 15 - 17 веках акварель имела прикладное значение и сужила

главным образом для раскрашивания гравюр, чертежей, эскизов. Со второй

половины 18 века акварель стала широко применяться для создания пейзажей,

так как быстрота работы акварелью позволяет фиксировать непосредственные

наблюдения, а воздушность этой техники облегчает передачу атмосферных

явлений. В конце 19 века в Италии возникла манера плотной многослойной

акварели по сухой бумаге, с характерными звучными контрастами света и тени,

цвета и белого фона. (В России в такой манере работали К. П. Брюллов, А. А.

Иванов). В конце 19 - начале 20 века все чаще стали употреблять акварель в

сочетании с белилами, гуашью, темперой, пастелью и другими материалами.

Гуашь - от итальянского guazzo - водяная краска - краски, состоящие из

тонко растертых пигментов с водно-клеевым связующим (гуммиарабик, пшеничный

крахмал) и примесью белил. От названия краски берет название и техика.

Гуашь обычно употребляется для работы по разнообразной основе - бумаге,

картону, полотну, шелку. Гуашь возникла как разновидность акварели, когда

для достижения плотности красочного слоя к водным краскам стали подмешивать

белила. Гуашь широко использовалась уже в средние века в искусстве многих

стран Европы и Азии для выполнения книжных миниатюр, а начиная с эпохи

Возрождения - также для эскизов, картонов, подцвечивания рисунков, а позже

- для портретных миниатюр. Начало производства специальных гуашевых красок

в середине 19 века способствовало окончательному обособлению гуаши от

акварели. В России техника гуаши достигла высокого развития в конце 19 -

начале 20 века в творчестве В. А. Серова, А. Я. Голована, С. В. Иванова и

других художников, которые применяли гуашь при работе над большими

станковыми произведениями, используя ее особенности (плотность и матовость

тонов) для достижения декоративных эффектов. По технике гуашь ближе к

акварели, а по художественному воздействию - к пастели. В настоящее время

гуашь используют для выполнения оригиналов плакатов, книжной и прикладной

графики, эскизов и декоративных работ.

Рассматривая различные виды графических работ, я все ближе и ближе

подошла к живописи, но также в процессе рассмотрения выявились основные

отличия графики от живописи:

. огромное значение в графике имеет преобладание линии (линия как таковая в

природе вообще не существует, но в графике она либо проведена явно каким-

либо инструментом - будь то резец. карандаш или кисть, либо создается

соседствующими пятнами - ахроматическими или хроматическими, как в

акварели и гуаши);

. графика более контрастна, в основном это контраст черного и белого,

контаст фона и рисунка, особое взаимодействие фона и изображения (не

случайно основой графических работ чаже всего является бумага - она

предоставляет широкие возможности в выборе фактуры, цветового оттенка

фона);

. графика не загромождает пространство, а наоборот создает его, в чем-то

она похожа на музыку - ей свойственны паузы, и паузы эти играют большую

роль;

. графика (особенно рисунок, литография) дает художнику больше свободы,

нежели живопись, благодаря простоте и доступности техники, возможности

работать быстро, отражая мгновенные эмоциональные переживания;

. графика в основном имеет иллюстративный характер, она более декоративна

(часто используется для создания иллюстраций к книгам, шаржей и т. д.).

Последние два пункта вступают в некоторое противоречие - с одной

стороны графическое произведение наиболее полно отражает характер

художника, с другой стороны - графика более декоративное, декоративно-

прикладное искусство, нежели станковое произведение. Здесь стоит привести

некоторый пример, в котором соседствуют обе эти черты, отнюдь не

взаимоисключая друг друга, а наоборот друг друга взаимодополняя. В качестве

этого примера хотелось бы привести творчество гениального английского

графика, одного из основоположников стиля модерн Обри Винсента Бардслея

(1872-1898).

Созданное этим художником, до сегодняшнего дня продолжает

существовать как уникальный памятник книжной иллюстрации и дизайна

(иллюстрации к "Саломее" Оскара Уайльда, рассказам Эдгара По, "Лисистраты"

Аристофана, а также многочисленные виньетки, эскизы обложек и титульных

листов).

Сперва Бердслей набрасывал композицию карандашом. в общих чертах,

покрывая бумагу на первый взгляд каракулями, которые постоянно стирал и

потом снова наводил, пока гладкий бумажный лист не превращался в решето от

резинки и перочинного ножа; по этой-то шерохоатой поверхности он и работал,

золотым пером, оставляя тонкий след тушью, часто совершенно игнорируя

сделанные до того линии, потом тщательно вычищаемые. Таким образом все

зарождалось, репетировалось, исполнялось на одном и том же листе. Бердслей

отделил свет от тьмы. Для света - белая бумага, для тьмы - черная тушь. И

никаких полутонов. Линия приобрела удивителньную силу. Только черное и

белое, лист бумаги, перо, флакончик туши.

В работах Бердслея - его характер, его собственное видение

окружающего мира. Как например, все шестнадцать рисунков к "Саломее"

самостоятельны и не связаны с текстом, но тем не менее трудно найти более

точный комментарий к духу и стилю Оскара Уайльда и трудно найти в мировом

искусстве библейскую Саломею более выразительную, хотя Бердслей и надевает

на нее парижскую шляпу, а в финале хоронит ее в серебряной пудренице.

В качестве небольшого заключения - опять-таки сугубо личное мнение,

собственные наблюдения:

Человек иногда напевает что-то свое, если у него легко на душе, пишет

стихи, если испытывает, например, чувство влюбленности. Но обращал ли

каждый из нас, что происходит, если просто задуматься, а в это время под

рукой случайно окажется обычная ручка или карандаш и лист бумаги? Возникают

странные образы - лица, фигурки, просто композиции из линий. Проведена

кривая - и рождается странный образ птицы - изгиб крыла... Даже простой

непрофессиональный рисунок - уже отражение внутреннего мира человека, его

мыслей, состояния души. Так и в высокохудожественных графических работах

через изгиб линий, стиль штриха, форму пятна отражается как внутренний мир

художника так и восприятие автором мира окружающего.

Маленький совет:

Если у Вас не получается что-то сказать человеку, показать жестами -

проведите несколько линии, и они откроют Вашу душу собеседнику.

Используемая литература:

Виппер Б. Р. "Статьи об искусстве". Москва, 1970.

Дмитриева Н. А. "Краткая История Искусств". Москва, "Искусство", 1989.

Карцер Ю. М. "Рисунок и живопись". Москва, "Высшая школа", 1992.

"Краткое теоретическое введение к курсу истории искусства", Москва, 1987

"Обри Бердслей". Москва, "Игра-техника", 1992.

Страницы: 1, 2