изыскана и наиболее однообразна по сравнению с другими циклами. Мы просто

отдаемся непосредственному общению с каждой вещью.

Вечность движения искусства в образе летящих птиц блестяще воплотил он

и в лучшей своей монументальной работе — росписи зала этрусков в Лувре.

Творчество Брака не ограничивается живописью и графикой. Он создал

утонченную и экспрессивную скульптуру, перекликающуюся с греческой

архаикой. К высшим достижениям французского прикладного искусства

принадлежат его витражи, ювелирные украшения. Классическими стали и его

театральные работы (постановки балетов Дягилева в Париже в 20-е годы).

Жорж Брак. Пейзаж (Эстак). 1908 год.

Работы Жоржа Брака – это неповторимость его видения мира и искусства,

сам процесс стремительного, поистине революционного развития искусства ХХ

века.

5. Пабло Руис Пикассо (1881, Малага - 1973, Мужен)

5.1. Образование. Барселона.

Многие исследователи стремятся объяснить стилистическое непостоянство

художника его генами, приписывая его матери еврейское происхождение; однако

семья Пикассо была самой что ни есть испанской и даже андалузской и

принадлежала к среде провинциальной мелкой буржуазии. Отец художника, Хосе

Руис Бласко (Пикассо - это фамилия матери художника), был живописцем

средней руки и преподавал в художественной школе в Малаге, затем в лицее в

Ла Корунье, куда он переехал со своей семьей в 1891, и, наконец, в

Художественной школе в Барселоне, где в сентябре 1895 к нему присоединился

Пабло. Именно здесь начинается его настоящее художественное образование,

несмотря на пребывание в течение нескольких месяцев (зима 1897-1898) в

академическом Мадриде, где он, впрочем, ничему особенно не научился,

поскольку его мастерство в этой области проявилось еще раньше ("Мужчина в

фуражке", 1895). Художественная атмосфера Барселоны, в которой преобладала

неординарная личность архитектора Гауди (мастерская Пикассо находилась

перед домом, построенным Гауди), была весьма подвержена внешним

воздействиям: Ар Нуво, искусства Бердсли, Мунка и северного экспрессионизма

в целом, и в гораздо меньшей степени - импрессионизма и французской

живописи, за исключением Стейнлена и Тулуз-Лотрека, влияние которых вскоре

проявилось и в творчестве Пикассо ("Танцовщица", 1901, Барселона, музей

Пикассо). Каталонские художники, с которыми Пикассо знакомится в кафе

"Четыре кота", заново открывают Эль Греко, Сурбарана, средневековую

каталонскую скульптуру, Испанию, более непосредственную и страстную, чем

это допускалось официальным обучением. Эта провинциальная и романтическая

интеллигенция была глубоко пронизана социальными интересами и отличалась

настоящей необузданностью анархических кругов. Пикассо, казалось, сильно

переживал нищету и духовное убожество проституток и пьяниц, завсегдатаев

кабаре и домов свиданий Баррио Чино; в них Пикассо нашел основные черты

своих персонажей и темы будущего "голубого" периода (1901-1905).

5.2. Первые поездки в Париж. "Голубой" и "розовый" периоды.

В 1900 Пикассо впервые побывал в Париже, где он сдружился с Исидро

Ноньелем, наиболее близким ему каталонским художником, но оказавшим на него

гораздо меньшее влияние, чем этого хотят некоторые испанские исследователи.

Он вновь приезжает в Париж в 1901 и 1902, и окончательно в 1904. Несмотря

на парижскую тональность некоторых картин того времени ("Любительница

абсента", 1901, СанктПетербург, Гос. Эрмитаж), искусство Пикассо вплоть до

1907 сохраняет свой чисто испанский характер. Талантливый молодой живописец

в одиночестве занимается в Париже изучением интернациональной живописи и

вбирает в себя и с поразительной легкостью усваивает самые разные влияния:

Тулуз-Лотрека, Гогена ("Жизнь", 1903, Кливленд, музей), Каррьера ("Мать и

дитя", 1903, Барселона, музей Пикассо), Пюви де Шаванна, набидов

("Облокотившийся Арлекин", 1901, частное собрание), а также греческого

искусства ("Водопой", сухая игла, 1905) и некоторых испанских традиций

("Старый гитарист", 1903, Чикаго, Художественный институт; "Портреты

госпожи Каналье", 1905, Барселона, музей Пикассо). После произведений

"голубого" периода (названного так из-за преобладающего голубого цвета), на

которых изображены изможденные от работы и голода люди ("Гладильщица",

1904, Нью-Йорк, музей Соломона Гуггенхейма; "Скудная трапеза", офорт,

1904), картины "розового" периода представляют мир циркачей и бродяг

("Семья акробатов с обезьяной", 1905, Гетеборг, музей; "Девочка на шаре",

Москва, Музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина; "Семейство

комедиантов", Вашингтон, Нац. гал.).

5.3. Накануне кубизма.

Вплоть до 1906 живопись Пикассо носит спонтанный характер, остается

безразличной к чисто пластическим проблемам, и художник, кажется, почти не

проявляет интереса к поискам современной живописи. С 1905, и, вероятно, уже

под влиянием Сезанна, он стремится придать формам больше простоты и

значительности, в меньшей степени, однако, отразившейся на его первых

скульптурных работах

П.Пикассо. Женский портрет. 1907 год.

("Шут", 1905), нежели в произведениях эллинизирующего периода ("Мальчик,

ведущий лошадь", Нью-Йорк, Музей современного искусства). Но отказ от

декоративной вычурности раннего творчества происходит во время поездки

летом 1906 в Андорру, в Госоль, где он впервые обратился к "примитивизму",

чувственному и формальному, который он будет разрабатывать на протяжении

всей своей творческой карьеры. По возвращении Пикассо завершает портрет

Гертруды Стайн (Нью-Йорк, музей Метрополитен), пишет страшных, варварских

обнаженных (Нью-Йорк, Музей современного искусства), а зимой работает над

"Авиньонскими девицами" (Нью-Йорк, Музей современного искусства), картиной

очень сложной, в которой сочетаются различные влияния - Сезанна, испанской

скульптуры и африканского искусства, которое было (хотя сам художник

отрицал это) одним из основных источников кубизма ("Танец с покрывалами",

1907, Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж).

5.4. Кубизм.

В 1907-1914 Пикассо работает в таком тесном сотрудничестве с Браком,

что не всегда возможно установить его вклад на разных этапах кубистической

революции. После периода сезаннизма, завершившегося портретом Кловиса Саго

(весна 1909, Гамбург, Кунстхалле), он уделяет особое внимание превращению

форм в геометрические блоки ("Фабрика в Хорта де Эбро", лето 1909, Санкт-

Петербург, Гос. Эрмитаж), увеличивает и ломает объемы ("Портрет

П.Пикассо. Голова женщины. 1908 год. Акварель.

Фернанда Оливье", 1909, Дюссельдорф, Художественное собрание земли Северный

Рейн-Вестфалия), рассекает их на плоскости и грани, продолжающиеся в

пространстве, которое сам он считает твердым телом, неизбежно ограниченным

плоскостью картины ("Портрет Канвейлера", 1910, Художественный институт).

Перспектива исчезает, палитра тяготеет к монохромности, и хотя

первоначальная цель кубизма состояла в том. чтобы более убедительно, чем с

помощью традиционных приемов, воспроизвести ощущение пространства и тяжести

масс, картины Пикассо зачастую сводятся к непонятным ребусам. Чтобы вернуть

связь с реальностью, Пикассо и Брак вводят в свои картины типографский

штрифт, элементы "обманок" и грубые материалы - обои, куски газет,

спичечные коробки. Техника коллажа соединяет грани кубистической призмы в

большие плоскости, расположенные на поверхности и, на первый взгляд, почти

произвольно ("Гитара и скрипка", 1913, Филадельфия, Музей искусства,

собрание Аренсберга; Санкт-Петербург, Гос. Эрмитаж), или передает в

спокойной и юмористической манере открытия, сделанные в 1910-1913 ("Портрет

девушки", 1914, Париж, Нац. музей современного искусства, Центр Помпиду).

Собственно кубистический период в творчестве Пикассо заканчивается вскоре

после начала Первой мировой войны, разделившей его с Браком. Хотя в своих

значительных произведениях художник использует некоторые кубистические

приемы вплоть до 1921 ("Три музыканта", 1921, Нью-Йорк, Музей современного

искусства).

5.5. Дальнейшая жизнь и творчество.

К 1917 относится первый опыт работы Пикассо в качестве театрального

художника. Он создал эскизы костюмов и декораций к постановке балета Парад

для «Русских сезонов» Сергея Дягилева. В следующем году женился на одной из

балерин труппы Дягилева, Ольге Хохловой.

П.Пикассо. Автопортрет. 1907 год.

В 1920-е годы Пикассо продолжал работать для театра, а также писал

картины в разнообразных стилях, от неоклассики до кубизма и сюрреализма. В

1928—1931 Пикассо вместе со своим старым другом Гонсалесом занимался

созданием произведений из металлических сварных конструкций. В начале 1930-

х годов художник сделал несколько графических серий, в том числе 30 офортов

к Метаморфозам Овидия для издательства «Скира» и к Неведомому шедевру

Бальзака по заказу коллекционера Амбруаза Воллара. Несколько основных

мотивов, которые обычно ассоциируются с творчеством Пикассо, — Минотавр,

художник и модель и др., — вошли в знаменитую серию офортов Сюита Воллара,

над которой он начал работать в 1930. В эти годы брак Пикассо распался; его

новой возлюбленной стала Мари-Тереза Вальтер.

В 1936, когда в Испании началась гражданская война, Пикассо стал на

сторону республиканского правительства и в подтверждение своей лояльности

принял предложение занять почетный пост директора музея Прадо. В конце

апреля 1937 мир узнал о бомбардировке Герники, в результате которой

маленький баскский городок был стерт с лица земли. Пикассо выразил свое

отношение к происшедшему в панно Герника. Оно предназначалось для

испанского павильона на Всемирной выставке в Париже, а затем хранилось в

нью-йоркском Музее современного искусства. В 1981, через шесть лет после

смерти Франко, картина была передана в Прадо.

Во время Второй мировой войны Пикассо жил в Париже вместе с Франсуазой

Жило, которая родила ему двоих детей. В 1946 мастер обратился к искусству

керамики и практически собственными силами возродил в городке Валлорис на

Ривьере некогда процветавшее там керамическое ремесло. Пикассо всегда

интересовался новыми технологиями, а в 1947—1950 разработал особую технику

литографии.

В 1944 художник вступил во Французскую коммунистическую партию.

Политические убеждения Пикассо, нашедшие отражение в Гернике, вновь

проявились в картине Война в Корее (1951) и двух больших панно Война и Мир

(1952), созданных для украшения Храма Мира в Валлорисе. В 1950-е годы

прошло несколько ретроспективных выставок Пикассо; тогда же он познакомился

с Жаклин Рок, на которой женился в 1961. В 1950—1960-е годы художник

вступил в диалог с великими мастерами прошлого: в 1954—1955 он написал

несколько вариаций на тему картины Делакруа Алжирские женщины, в 1957 —

Менин Веласкеса, а в 1959—1960 — Завтрака на траве Мане. В 1960-е годы

Пикассо создал монументальную скульптурную композицию высотой 15 м для

общественного центра в Чикаго. В 1970 художник подарил более восьмисот

своих произведений музею-дворцу Агилар в Барселоне. Пикассо умер в Мужене

(Франция) 8 апреля 1973.

Музей Пикассо был открыт в Барселоне, благодаря самому художнику,

который в 1970 преподнес в дар городу свои работы. В 1985 музей Пикассо был

открыт и в Париже (отель Сале); сюда вошли работы, переданные наследниками

художника, - более 200 картин, 158 скульптур, коллажи и тысячи рисунков,

эстампов и документов, а также личная коллекция Пикассо. Новые дары

наследников (1990) обогатили парижский музей Пикассо, Городской музей

современного искусства в Париже и несколько провинциальных музеев (картины,

рисунки, скульптуры, керамика, гравюры и литографии).

Уже первые рисунки Пикассо, выполненные в барселонской художественной

школе и Академии Сан-Фернандо, выглядят как произведения мастера, полностью

владеющего техникой рисунка. В картине Мулен де ла Галетт (1900)

чувствуется интерес девятнадцатилетнего художника к ночной жизни Парижа,

особенно такой, какой ее изображал Тулуз-Лотрек. С начала 1900-х годов в

творчестве Пикассо принято выделять несколько периодов, которым по

огромному стилевому разнообразию и различию формального строя вряд ли можно

найти параллели у других художников.

Картины Пикассо «голубого периода» отражают мир одинокого человека.

Иногда в работы художника проникают лирические нотки, например в картине

Голубая комната (1901, Вашингтон, галерея Филипс), но более типичны для

этого периода его творчества мотивы нищеты и крайней усталости. На картине

Старый гитарист (1903, Чикаго, Художественный институт) изображена

удлиненная, болезненно согнутая фигура. Всепроникающий голубой цвет —

визуальный аккомпанемент меланхолической мелодии. Загадочность и

задумчивость, разлитые в произведениях Пикассо этих лет, словно достигают

предельной концентрации в большом холсте Жизнь (1903, Кливленд, Музей

искусства). Молодая пара с грустью смотрит на женщину, держащую на руках

ребенка.

«Розовый период» (1905—1906) отмечен радикальной переменой цвета и

настроения в творчестве Пикассо. Голубоватый тон работ предшествующего

периода уступил место нежным оттенкам розового и серого в сочетании с

яркими цветами. В эти годы Пикассо часто изображал клоунов, акробатов и

бродячих цирковых артистов. Картина Семья бродячих циркачей (1905,

Вашингтон, Национальная галерея) на первый взгляд кажется свободно и широко

написанной яркой виньеткой из фигур акробатов. Вглядевшись внимательнее,

зритель замечает, что каждый персонаж психологически отделен от остальных и

здесь царит атмосфера одиночества. К этому периоду относятся также

многочисленные гравюры и первая серия скульптур.

В работах, выполненных летом 1906 в местечке Госол в испанских

Пиренеях, впервые появляются симптомы решительного разрыва с классической

традицией. Как Гоген, Бранкузи и фовисты, Пикассо почувствовал

необходимость начать сначала, обратившись к наивному, примитивному

искусству. Мягкая элегантность сменилась брутальностью массивных и жестких

форм. Фигуры приобрели пластические качества древней иберийской скульптуры.

Первобытная мощь чувствуется и в Портрете Гертруды Стайн (Нью-Йорк, музей

Метрополитен), и в Автопортрете (1906, Филадельфия, Художественный музей).

Пикассо никогда окончательно не отказывался от сюжета, поскольку смысл

кубизма во многом заключается в исследовании отношения произведения

искусства к реальному миру. Например, в Натюрморте на плетеном стуле

композиция, вписанная в овал, обрамлена настоящей веревкой; внутри картины

оказываются сопоставленными острые кубистические плоскости, буквы JOU и то,

что призвано изображать плетеное кресло (кусок клеенки от дешевой мебели).

Буквы JOU можно интерпретировать как начало слова journal (газета) или

Страницы: 1, 2, 3, 4