Фарнезины (1514- 1517), где среди других фресок, частично выполненных

учениками, имеется «Триумф Галатеи» и поэтичные композиции по мотивам

истории Амура и Психеи, написанные им самим.

Видимо, в период работы над станцами была создана «Сикстинская

мадонна» (Картинная галерея, Дрезден). Долгие годы она служила алтарным

образом в церкви св. Сикста (отсюда и название картины) в небольшом

итальянском городке Пьяченце. Удивительна её дальнейшая судьба. В 1754 году

картина была куплена у монахов для Дрезденской картинной галереи за

двадцать тысяч цехинов.

В годы второй мировой войны по особому приказу гитлеровского

правительства художественные ценности были вывезены и спрятаны в нескольких

тайниках, совершенно непригодных для хранения живописи.

В мае 1945 года «Сикстинская мадонна», а с нею ряд шедевров в

результате поисков были обнаружены советскими солдатами в пыльной штольне

заброшенных каменоломен неподалёку от Дрездена. Вход в тоннель гитлеровцы

замуровали, а вокруг в целях маскировки посеяли траву. Спасённая от гибели

«Сикстинская мадонна» была вывезена в Москву, а 1956 году возвращена в

Дрезден.

В этом произведении предельная ясность, величавая простота

художественного языка сочетаются с глубиною идейного замысла. Внезапно

распахнулся занавес - и глазам зрителя предстала мать с ребёнком на руках.

Спокойный, «литой» силуэт мадонны чётко вырисовывается на фоне светлого

сияющего неба. Она движется лёгкой решительной поступью, встречный ветер

развевает складки одежды, отчего её фигура кажется ещё более ощутимой.

Маленькие босые ноги уверенно ступают по пушистым облакам, в белой массе

которых утопают коленопреклонённые фигуры Сикста и Варвары. Неуклюжий, в

тяжёлом облачении, старик Сикст указывает рукою на землю, куда следует

мадонна; светски изящная св. Варвара застыла в благоговейном молчании. Эти

фигуры несут определённую смысловую и композиционную нагрузку: подчёркивая

возвышенный характер образа мадонны, они уравновешивают композицию.

Прекрасное лицо молодой женщины выражает огромную внутреннюю силу. В

нём и любовь к младенцу, и тревога за его судьбу, и непоколебимая твёрдость

и сознание величия совершаемого подвига - мать жертвует своим единственным

сыном во имя спасения людей. Младенец широко открытыми глазами смотрит на

лежащий перед ним мир.

Крамской говорил, что «…мадонна Рафаэля действительно - произведение

великое и действительное вечное…сама мадонна есть создание воображения

народа».

В творчестве Рафаэля с наибольшей полнотой выразился стиль искусства

Высокого Возрождения периода высшего расцвета. Он был признанным главою

римской художественной школы той поры, когда она занимала первенствующее

положение в культурной жизни Италии.

Работоспособность мастера равнялась его гению. По его эскизам работали

архитекторы и скульпторы, сам он был автором ряда архитектурных проектов, а

после смерти Браманте с 1515 года руководил строительством собора св.

Петра. Он вёл археологические раскопки, в частности, терм Тита, и по

мотивам открытых там древних росписей создал замечательный декоративный

ансамбль ватиканских лоджий. Он выполнил 10 огромных картонов- рисунков, и

по ним в Брюсселе выткали ковры, предназначенные для украшения Сикстинской

капеллы. Он поднимает вопрос об охране архитектурных памятников римской

старины, которые безжалостно разрушались, и древние камни использовались в

качестве строительного материала.

Рафаэль оставил ряд портретов своих современников, в них тонко

подмечены черты человека эпохи Возрождения. Таковы портреты Аньоло Дони,

кардинала Ингирами, графа Кастильоне, папы Льва X и др.

Папа Лев X хотел наградить художника кардинальской шапкой, кардинал

Биббиена лелеял мысль женить его на своей племяннице, но Рафаэль с присущей

ему мягкостью, не отказываясь прямо, всячески это оттягивал. Почти ничего

не известно о личной жизни художника. Вазари утверждает, что «Рафаэль

отличался влюбчивостью, ухаживал за женщинами и всегда готов был им

служить…»; черты лица его полумифической возлюбленной (в XVIII веке ей дали

имя Фарнарины) усматривают и в «Мадонне делла Седиа», и в портрете «Донны

Велаты».

Свою последнюю картину «Преображение» (Ватикан) Рафаэль не успел

закончить, она была дописана его любимым учеником Джулио Романо.

Он умер 6 апреля 1520 года тридцати семи лет от роду в полном расцвете

творческих сил.

Могила Рафаэля - в римском Пантеоне. Её украшает мраморная статуя

мадонны, выполненная его учеником скульптором Лоренцо Лоренцетто.

Эпитафия на латинском языке, сочинённая одним из друзей великого

художника, гласит:

Здесь покоится тот Рафаэль, при

жизни которого великая природа боялась

быть побеждённой, а после его смерти

она боялась умереть.

Великий скульптор, художник и архитектор Высокого Возрождения

Микеланджело Буонарроти родился 6 марта 1475 года в Капрезе близ Флоренции.

Он был вторым ребёнком в семье Лодовико Леонардо Буонарроти, подесты

(главы местного самоуправления) городков Кьюзи и Капрезе. Четырнадцати лет

Микеланджело поступил в мастерскую флорентийского живописца Гирландайо, где

много рисовал с натуры и копировал рисунки старых мастеров, делая это так

хорошо, что их нельзя было отличить от подлинников. В 1489 году он перешёл

к Бертольдо ди Джованни, который находясь на службе у правителя Флоренции

Лоренцо Великолепного, обучал группу юношей мастерству ваяния. Ученик

Донателло, хранитель реалистических традиций раннего Возрождения, Бертольдо

оказал значительное воздействие на формирование таланта Микеланджело: он

помог ему постигнуть сущность искусства древних и ориентировал на изучение

творчества итальянских мастеров – реалистов. Талантливого юношу заметил

Лоренцо Великолепный и поселил его у себя. Четырёхлетнее пребывание в

палаццо Медичи, где собирался цвет флорентийской интеллигенции, значительно

пополнило общее образование молодого художника, но утончённое искусство

медичейского двора не прельщало Микеланджело. Его влекли сильные и

значительные образы. Свидетельство тому – сохранившиеся юношеские рисунки с

фресок Джотто и Мазаччо, а также первые скульптурные работы 1490 - 1492

годов - два мраморных барельефа «Мадонна у лестницы» и «Битва кентавров»

(оба – музей Буонарроти, Флоренция). Уже в этих юношеских произведениях

чувствуется рука большого мастера, безукоризненное знание анатомии и

монументальность форм; отчётливо звучит тема героического человека, которая

будет ведущей в его творчестве на протяжении всей жизни.

В 1496 году Микеланджело, почти безвыездно живший во Флоренции,

отправился в Рим. Здесь были созданы его первые большие скульптуры «Вакх» и

«Пьета» («Оплакивание»).

«Вакх», по существу, вещь того же плана, что и «Битва кентавров» -

дань юношеской влюблённости в античность.

«Пьета» (1498- 1500. Собор св. Петра, Рим) явилась произведением

качественно новым. В это время Микеланджело, исполненный веры в

незыблемость идеалов Возрождения, создал произведение, овеянное чувством

печали, но без элемента трагизма, которым будут отмечены композиции на ту

же тему, созданные им в последние годы жизни. Мать держит на коленях

мёртвое тело сына, пытливо всматривается в его лицо; сдержанный жест руки,

таящий горестный вопрос, тонко передаёт всю глубину материнской скорби.

Замысел поместить на коленях женщины тело взрослого сына заключал в себе

определённые трудности, которые мастер преодолел путём продуманного

распределения драпировок. Одежда струится лёгкими дробными складками,

драпируя торс мадонны, подчёркивая женственность её облика; тяжёлая ткань

плаща ниспадает с колен до земли крупными массами и образует подобие

пьедестала, на котором покоится тело Христа. Стремясь достичь впечатления

ясности, завершённости, простоты, Микеланджело вслед за Леонардо избирает

пирамидальную форму построения. «Пьету», произведение стиля Высокого

Возрождения, уже современники восприняли как новое слово в искусстве, она

вызывала восхищение, а так как создатель её почти не был известен в Риме,

то авторами называли других скульпторов. Узнав об этом, Микеланджело ночью

пришёл в базилику св. Петра, где стояла группа, и высек своё имя на

перевязи, идущей через плечо мадонны, - «Микеланджело Буонарроти флорентиец

исполнил». Так «Пьета» оказалась единственной подписной вещью мастера.

Весною 1501 года он вернулся во Флоренцию и осенью принялся за

«Давида» (1501 – 1504). Давид представлен обнажённым. Сильная, фронтально

развёрнутая фигура юноши предельно напряжена: левая, поднятая к плечу рука

сжимает пращу, голова резко повёрнута, грозный взгляд устремлён на врага.

Донателло представил Давида победителем, Микеланджело запечатлел его в

момент предельной собранности всех физических и психических сил – наметив

цель, он готовится нанести решающий удар. Донателло изобразил Давида слабым

юношей, точно одержать победу помогла ему высшая сила; Микеланджело изваял

атлета, обязанного победою только самому себе. Флорентийцы увидели в

«Давиде» пример правителям, которые должны защищать отечество так же

мужественно, как герой древнего сказания. Специальная комиссия после долгих

споров и разногласий определила место, где стоять «Давиду» - на площади

Синьории перед палаццо Веккио – резиденцией правительства флорентийской

республики.

Среди многих работ, выполненных на протяжении 1500 – 1505 годов,

особое место занимает «Мадонна Дони» (Уффици, Флоренция) – единственная

сохранившаяся станковая картина Микеланджело. Это произведение, где фигуры

Мадонны, Иосифа и младенца Христа переданы с пластической чёткостью

(чувствуется рука скульптора, а не живописца), а в построении группы

достигнута необыкновенная компактность, что, видимо, явилось своеобразным

ответом на картон Леонардо да Винчи «Святая Анна» (выставленный для

обозрения флорентийцев в 1501 году), в котором мастерство композиции

сочеталось с леонардовской мягкостью живописной манеры.

Соперничество двух великих мастеров со временем приобретало всё более

обострённый характер благодаря пылкому нраву Микеланджело и достигло своего

апогея в период работы над росписями в палаццо Веккио. Росписи не были

выполнены. Микеланджеловский картон «Битва при Кашине» бесследно исчез.

Папа Юлий II, занявший престол св. Петра в 1503 году, лелеял мысль

объединить Италию под властью пап и развернул энергичную перестройку Рима

как будущей столицы своей державы. Архитектор Браманте реконструирует

Ватикан и, разрушив старую базилику, начинает возводить на её месте собор

св. Петра, который роскошью отделки и размерами должен был превзойти все

церкви мира. В 1508 году из Флоренции был вызван Микеланджело – папа

приказал ему расписать потолок Сикстинской капеллы. За четыре года без чьей-

либо помощи Микеланджело собственноручно покрыл росписью поверхность

площадью свыше пятисот кв. метров! В средней части плафона он поместил

девять композиций на сюжеты библейских мифов – «Отделение света от тьмы»,

«Сотворение солнца и луны» и т.д. Вокруг расположил фигуры сидящих на

тронах пророках и сивилл. Оставшиеся свободными поля также заполнил

изображениями человеческих фигур.

Композиция плафона – гимн человеку. Нет ничего мистического ни в

образе бога, ни в образах сивилл и пророков или других персонажей

библейских легенд. Здесь созидают, действуют, страдают, размышляют люди, но

люди героического плана.

Много лет спустя Микеланджело написал на алтарной стене капеллы фреску

«Страшный суд» (1534/35 - 1541). По сравнению с лёгкими светлыми тонами

росписей плафона, «Страшный суд» кажется тёмным. На огромной поверхности в

200 кв. метров как бы охваченные зловещим вихрем движутся бесчисленные

обнажённые фигуры грешников и праведников. Художник дал свою трактовку

образа Христа: не благостный спаситель, а грозный судия, он единым

мановением руки обрекает всё человечество на тяжкие страдания. Микеланджело

как бы призывает высший суд покарать «сильных мира сего», пожинающих лавры

на земле, в то время как отечество переживает дни позора и разорения.

Над гробницей Юлия II (церковь Сан Пьетро ин Винколи, Рим) скульптор

работал долгие годы. История этого памятника – трагедия жизни художника,

который, затратив массу творческих сил и труда, так и не увидел воплощение

своего подлинного замысла. Отказавшись от распространённого тогда типа

надгробия в виде саркофага с возлежащей на нём фигурою умершего,

Микеланджело создал сложный скульптурно- архитектурный комплекс и таким

образом дал новое решение памятника такого рода. Проект по прихоти

заказчиков менялся несколько раз. Знаменитые теперь статуи рабов вообще не

вошли в окончательный вариант гробницы («Связанный раб» и «Умирающий раб» -

в Лувре; «Молодой раб», «Атлант», «Бородатый раб», «Пробуждающийся раб» - в

музее Академии во Флоренции). Скульптура, расположенная во втором ярусе,

была исполнена учениками Микеланджело, им же принадлежит малоудачное

окончательное оформление памятника. Его художественное воздействие

определяется только одной статуей Моисея (1513 – 1516), чей образ исполнен

огромного внутреннего пафоса. Библейский пророк изображён в тот момент,

когда, спустившись с горы Синай, он увидел, что народ отлил золотого тельца

и поклоняется этому идолу. Сдержанный гнев Моисея передаёт и движения

могучей фигуры, и выражение красивого властного лица, в котором есть что-

то жестокое. Он пристально смотрит вдаль, готовый устремится туда, где

творится неправое дело. Даже беглого взгляда достаточно, чтобы убедиться в

подчинённой роли сюжета. «Моисей» был создан после флорентийского «Давида»,

и в нём образ борца обогащается новыми чертами. Его определяют прежде всего

мудрость и властная сила. Не без оснований предполагают, что «Моисей» -

воплощение мечты о герое, человеке, способном возглавить дело объединения

раздробленной Италии, отстоять её национальную независимость.

Между тем над Италией сгущались тучи. 7 мая 1527 года войска

императора Карла V вступили в Рим, город был разграблен, тысячи жителей

убиты. В памяти итальянцев день 7 мая остался днём величайшего

национального бедствия. Флорентийцы изгнали Медичи и восстановили

республику. Папа Климент VII из рода Медичи заключил союз с врагом с тем,

чтобы вернуть власть своим родственникам. Художник и патриот Микеланджело

возглавил работы по сооружению городских укреплений. Флоренция выдержала

тяжёлую одиннадцатимесячную осаду, но не смогла устоять против объединённых

сил императорских и папских войск. 12 августа 1530 года город пал. Такова

была политическая обстановка, когда Микеланджело завершил величайший труд в

своей жизни – капеллу Медичи, этот реквием Флорентийской республике.

Работа велась с перерывами с 1520 по 1534 год. Усыпальница Медичи во

флорентийской церкви Сан Лоренцо представляет собой перекрытое куполом

небольшое помещение. Рассеянный свет освещает белые, холодного голубоватого

оттенка плоскости стен в траурном обрамлении из сине- зелёного, почти

чёрного камня. Архитектура торжественная и печальная создаёт определённый

эмоциональный фон для скульптур усыпальницы.

Парную гробницу Лоренцо Великолепного и его брата Джулиано украшают

три статуи – «Мадонна с младенцем» работы самого Микеланджело и фигуры

святых, выполненные по его моделям. Образ мадонны потрясает глубиной

выраженного в ней чувства. Опущенные плечи, наклон головы, и даже ребёнок,

тянущийся к груди матери, не может вывести её из состояния оцепенения. Две

другие стены занимают надгробия Джулиано, герцога Немурского, и Лоренцо,

герцога Урбинского, - первых из рода Медичи, удостоенных герцогских

титулов. Герцоги, облачённые в античные доспехи, подобно полководцам

древности, восседают на триумфальных колесницах. Джулиано держит в руках

жезл, его фигура полна жизни. Лоренцо изображён опирающимся на шкатулку в

усталой меланхолической позе, как будто погружённый в раздумье.

Перед нишами стоят саркофаги. На их покатых крышках возлежат фигуры

«Суток». Эти аллегорические фигуры должны были символизировать

всепоглощающее время быстротечной жизни. Образы, созданные Микеланджело,

исполнены скорби и тревоги. Беспокойно всматриваясь вдаль, бодрствует

«День», в тоскливом покое застыл «Вечер», в страданиях пробуждается «Утро»,

тяжёлым сном забылась «Ночь». В сонете от имени «Ночи» Микеланджело выразил

своё отношение к окружающей его действительности:

Отрадно спать, отрадней камнем быть,

О, в этот век, преступный и постыдный,

Не жить, не чувствовать – удел завидный.

Прошу, молчи, не смей меня будить.

В 1534 году Микеланджело навсегда покинул Флоренцию. Дальнейшая

деятельность его протекала в Риме. Здесь он завершает надгробие Юлия II,

пишет «Страшный суд», расписывает в Ватикане Паолинскую капеллу и последние

двадцать лет своей жизни ведает большим комплексом архитектурных работ. В

1546 году он приступил к реконструкции расположенного в центре Рима

Капитолийского холма, создав парадную площадь, обрамлённую тремя фасадами

зданий, в центре установил античную конную статую Марка Аврелия и оформил

вход в виде широкой беломраморной лестницы. Капитолий по сей день

принадлежит к самым красивым архитектурным ансамблям Рима. Одновременно

художник возглавлял строительство собора св. Петра и возвёл купол,

законченный уже после его смерти. Плавно возносящийся на высоту 132, 5

метра купол собора виден почти со всех точек города.

В последние годы жизни были созданы три группы «Оплакивания» («Пьета»

в Соборе Санта Мариа дель Фьоре, Флоренция; «Палестринская пьета» -

Академия, Флоренция и «Пьета Ронданини», Замок- музей, Милан). В них кризис

мировоззрения Микеланджело, связанный с общим кризисом культуры

Возрождения, сказался в безысходно трагической трактовке темы и в

разрушении гармонической формы. Над «Пьетой Ронданини», которая изображает

мать, поддерживающую бездыханное тело сына, скульптор работал буквально до

последнего дня своей жизни.

Микеланджело умер в своей мастерской 18 февраля 1564 года восьмидесяти

девяти лет отроду. Папа хотел похоронить великого скульптора в соборе св.

Петра. Но племянник Микеланджело тайком вывез его из Рима под видом тюка

товаров и переправил во Флоренцию, где оно было торжественно погребено в

церкви Санта Кроче – усыпальнице великих людей Флоренции.

Эпоха Высокого Возрождения имела огромное значение для дальнейшего

развития и подъёма культуры и искусств. Удивительные творения мастеров того

времени продолжают вызывать восхищение и по сей день.

Библиография:

1) Л.М. Баткин. Леонардо да Винчи, М.: искусство, 1990 г.

2) Н.А. Дмитриева. Краткая история искусств, том 1, М.: искусство,

1996 г.

3) История зарубежного искусства, М.: изобразительное искусство,

1980 г.

4) 50 биографий мастеров западно- европейского искусства. Л.:

советский художник, 1962 г.

Страницы: 1, 2, 3