окончательно утвердился реализм — правдивое и всестороннее отражение жизни

народа, стремление перестроить эту жизнь на началах равенства и

справедливости.

Центральной темой искусства стал народ, не только угнетенный и

страдающий, но и народ — творец истории, народ-борец, созидатель всего

лучшего, что есть в жизни.

Утверждение реализма в искусстве проходило в упорной борьбе с

официальным направлением, представителем которого было руководство Академии

художеств. Деятели академии внушали своим ученикам идеи о том, что

искусство выше жизни, выдвигали лишь библейскую и мифологическую тематику

для творчества художников.

9 ноября 1863 г. большая группа выпускников Академии художеств

отказалась писать конкурсные работы на предложенную тему из скандинавской

мифологии и покинула Академию. Во главе бунтарей стоял Иван Николаевич

Крамской (1837—1887). Они объединились в артель и стали жить коммуной.

Через семь лет она распалась, но к этому времени зародилось «Товарищество

передвижных художественных выставок», профессионально-коммерческое

объединение художников, стоявших на близких идейных позициях.

«Передвижники» были едины в своем неприятии «академизма» с его

мифологией, декоративными пейзажами и напыщенной театральностью. Они хотели

изображать живую жизнь. Ведущее место в их творчестве заняли жанровые

(бытовые) сцены. Особой симпатией «передвижников» пользовалось

крестьянство. Они показывали его нужду, страдания, угнетенное положение. В

ту пору — в 60—70-е гг. XIX в.— идейная сторона искусства ценилась выше,

чем эстетическая. Лишь со временем художники вспомнили о самоценности

живописи.

Пожалуй, самую большую дань идейности отдал Василий Григорьевич Перов

(1834—1882). В своих произведениях Перов страстно обличает существующий

строй, с большим мастерством и убедительностью показывает тяжелую долю

народа. В картине «Сельский крестный ход на пасху» художник показал русскую

деревню в праздничный день, нищету, беспробудное пьянство, сатирически

изобразил сельское духовенство. Поражает своим драматизмом, безысходной

скорбью одна из лучших картин Перова — «Проводы покойника», которая

рассказывает о трагической судьбе семьи, оставшейся без кормильца. Большой

известностью пользуются его картины «Последний кабак у заставы», «Старики-

родители на могиле сына». Тонким юмором и лиризмом, любовью к природе

проникнуты картины «Охотники на привале», «Рыболов». Его творчество

пронизано любовью к народу, стремлением осмыслить явления жизни и языком

искусства правдиво рассказать о них. Картины Перова принадлежат к лучшим

образцам русского искусства. Его творчество как бы перекликается с поэзией

Некрасова, с произведениями Островского, Тургенева. Достаточно вспомнить

такие его картины, как «Приезд станового на следствие», «Чаепитие в

Мытищах». Некоторые работы Перова проникнуты подлинным трагизмом («Тройка»,

«Старики-родители на могиле сына»). Кисти Перова принадлежит ряд портретов

его знаменитых современников (Островского, Тургенева, Достоевского).

Некоторые полотна «передвижников», писанные с натуры или под

впечатлением от реальных сцен, обогатили наши представления о крестьянской

жизни. В картине С. А. Коровина «На миру» показана стычка на сельском сходе

между богачом и бедняком. В. М. Максимов запечатлел ярость, слезы и горе

семейного раздела. Торжественная праздничность крестьянского труда отражена

в картине Г. Г. Мясоедова «Косцы».

Идейным вождем Товарищества передвижных выставок был Иван Николаевич

Крамской (1837—1887)—замечательный художник и теоретик искусства. Крамской

боролся против так называемого «чистого искусства». Он призывал художника

быть человеком и гражданином, своим творчеством бороться за высокие

общественные идеалы. В творчестве Крамского главное место занимала

портретная живопись. Крамской создал целую галерею замечательных портретов

русских писателей, художников, общественных деятелей: Толстого, Салтыкова-

Щедрина, Некрасова, Шишкина и других. Ему принадлежит один из лучших

портретов Льва Толстого. Пристальный взгляд писателя не оставляет зрителя,

с какой бы точки он ни смотрел на полотно. Одно из наиболее сильных

произведений Крамского — картина «Христос в пустыне».

«Передвижники» совершили подлинные открытия в пейзажной живописи.

Алексей Кондратьевич Саврасов (1830—1897) сумел показать красоту и тонкий

лиризм простого русского пейзажа. В 1871 мастер создает ряд лучших своих

работ («Печерский монастырь под Нижним Новгородом», Нижегородский

художественный музей; «Разлив Волги под Ярославлем», Русский музей), в т.

ч. знаменитую картину «Грачи прилетели» (Третьяковская галерея), ставшую

самым популярным русским пейзажем, своего рода живописным символом России.

Этюдная работа над «Грачами» шла в марте, в с. Молвитино (ныне Сусанино)

Буйского уезда Костромской губернии. Талый снег, весенние грачи на

березках, серо-голубое, блеклое небо, темные избы и древняя церквушка на

фоне стылых дальних лугов, — все сплавилось в образ удивительного

поэтического обаяния. Картине свойственен поистине волшебный эффект

узнаваемости, «уже виденного» (deja-vue, говоря языком психологии) — причем

не только где-то близ Волги, где писались «Грачи», а чуть ли не в любом

уголке страны. Здесь «настроение» —как особое созерцательное пространство,

объединяющее картину со зрителем — окончательно превращается в совершенно

особый компонент образа; это метко фиксирует И. Н. Крамской, когда пишет (в

письме к Ф. А. Васильеву, 1871), касаясь других пейзажей на выставке: «все

это деревья, вода и даже воздух, а душа есть только в «Грачах». Незримо

зримая «душа», настроение животворит и последующие вещи Саврасова:

замечательные московские пейзажи, органично сочетающие бытовую простоту

переднего плана с величавыми далями («Сухарева башня», 1872, Исторический

музей, Москва; «Вид на Московский Кремль, Весна», 1873, Русский музей),

виртуозный по передаче влаги и светотени «Проселок» (1873, Третьяковская

галерея), сентиментальную «Могилу над Волгой» (1874, Алтайский краевой

музей изобразительных искусств, Барнаул), светозарную «Радугу» (1875,

Русский музей), меланхолическую картину «Зимний пейзаж. Иней» (1876-77,

Воронежский музей изобразительных искусств). В поздний период мастерство

Саврасова резко слабеет. Житейски опустившись, страдая алкоголизмом, он

живет за счет копий со своих лучших работ, прежде всего с «Грачей».

Федор Александрович Васильев (1850—1873) прожил короткую жизнь. Его

творчество, оборвавшееся в самом начале, обогатило отечественную живопись

рядом динамичных, волнующих пейзажей. Художнику особенно удавались

переходные состояния в природе: от солнца к дождю, от затишья к буре.

Выходец из семьи почтового служащего, учился в Рисовальной школе Общества

поощрения художеств, а также в 1871 в Академии художеств; в 1866-67 работал

под руководством И. И. Шишкина. Выдающийся талант Васильева сложился рано и

мощно в картинах, впечатляющих зрителя своим психологическим драматизмом.

Замечательной «поэзией при натуральности впечатления» (по словам И. Н.

Крамского, близкого друга Васильева, о коренном свойстве его творчества в

целом) проникнута уже картина «Перед дождем» (1869, Третьяковская галерея).

В 1870 путешествовал по Волге вместе с И. Е. Репиным, в результате

появилась картина «Вид на Волге. Баржи» (1870, Русский музей) и другие

работы, отмеченные тонкостью световоздушных эффектов, мастерством передачи

речной и воздушной влаги. Но не во внешних эффектах здесь суть. В

произведениях Васильева природа, словно откликаясь на движения человеческой

души, в полном смысле психологизируется, выражая сложную гамму чувств между

отчаянием, надеждой и тихой грустью. Наиболее известны картины «Оттепель»

(1871) и «Мокрый луг» (1872; обе в Третьяковской галерее), где постоянный

интерес художника к переходным, неопределенно-зыбким состояниям натуры

претворяется в образы озарения сквозь меланхолическую мглу. Это — своего

рода натурные сны о России, выдерживающие сопоставление с пейзажными

мотивами И. С. Тургенева или А. А. Фета. Художник (судя по его переписке с

Крамским) мечтает о создании каких-то невиданных произведений, о

символических пейзажах-откровениях, которые могли бы исцелить человечество,

отягощенное «преступными замыслами». Но дни его уже сочтены. Заболев

туберкулезом, он переселяется в 1871 в Ялту. Роковая болезнь, сливаясь с

впечатлениями от южной природы, которая предстает у него не праздничной, но

отчужденно-тревожной, придает его живописи еще большую драматическую

напряженность. Тревожно и сумрачно самое значительное его полотно этого

периода — «В Крымских горах» (1873, Третьяковская галерея). Тонущая в

дымке, написанная в мрачных коричневато-серых тонах горная дорога обретает

тут потусторонний оттенок, подобие безысходной дороги в никуда. Влияние

искусства Васильева, усиленное трагизмом его ранней кончины, было весьма

значительным. Романтическая традиция, окончательно отрешаясь от

представлений о пейзаже как декоративном зрелище, достигла в его работах

особой духовной содержательности, предвещающей искусство символизма и

модерна, пейзаж чеховско-левитановской поры.

Творчество Виктора Михайловича Васнецова (1848—1926) тесно связано с

русскими народными сказками, былинами, сюжеты которых он брал за основу

своих картин. Его лучшее произведение — «Три богатыря». Перед зрителем

любимые герои русского былинного эпоса — богатыри, защитники русской земли

и родного народа от многочисленных врагов.

Певцом русского леса, эпической широты русской природы стал Иван

Иванович Шишкин (1832—1898). Архипа Ивановича Куинджи (1841 —1910)

привлекала живописная игра света и воздуха. Таинственный свет луны в редких

облаках, красные отсветы зари на белых стенах украинских хат, косые

утренние лучи, пробившиеся сквозь туман и играющие в лужицах на раскисшей

дороге,— эти и многие другие живописные открытия запечатлены на его

полотнах. Для ранних работ Шишкина («Вид на острове Валааме», 1858,

Киевский музей русского искусства; «Рубка леса», 1867, Третьяковская

галерея) характерна некоторая дробность форм; придерживаясь традиционного

для романтизма «кулисного» построения картины, четко размечая планы, он не

достигает еще убедительного единства образа. В таких картинах, как

«Полдень. В окрестностях Москвы» (1869, там же), это единство предстает уже

очевидной реальностью, прежде всего за счет тонкой композиционной и свето-

воздушно-колористической координации зон неба и земли, почвы (последнюю

Шишкин чувствовал особенно проникновенно, в этом отношении не имея себе

равных в русском пейзажном искусстве).

В 1870-е гг. мастер входит в пору безусловной творческой зрелости, о

которой свидетельствуют картины «Сосновый бор. Мачтовый лес в Вятской

губернии» (1872) и «Рожь» (1878; обе — Третьяковская галерея). Обычно

избегая зыбких, переходных состояний природы, художник фиксирует ее высший

летний расцвет, достигая впечатляющего тонального единства именно за счет

яркого, полуденного, летнего света, определяющего всю колористическую

шкалу. Монументально-романтический образ Природы с большой буквы неизменно

присутствует в картинах. Новые же, реалистические веяния, проступают в том

проникновенном внимании, с которым выписываются приметы конкретного куска

земли, уголка леса или поля, конкретного дерева. Шишкин — замечательный

поэт не только почвы, но и дерева, тонко чувствующий характер каждой породы

[в наиболее типических своих записях он обычно поминает не просто «лес», но

лес из «осокорея, вязов и частью дубов» (дневник 1861 года) или «лес

еловый, сосновый, осина, береза, липа» (из письма И. В. Волковскому,

1888)]. С особой охотой художник пишет породы самые мощные и крепкие типа

дубов и сосен — в стадии зрелости, старости и, наконец, смерти в буреломе.

Классические произведения Шишкина — такие, как «Рожь» или «Среди долины

ровныя...» (картина названа по песне А. Ф. Мерзлякова; 1883, Киевский музей

русского искусства), «Лесные дали» (1884, Третьяковская галерея) —

воспринимаются как обобщенные, эпические образы России. Художнику одинаково

удаются и далевые виды, и лесные «интерьеры» («Сосны, освещенные солнцем»,

1886; «Утро в сосновом лесу» где медведи написаны К. А. Савицким, 1889; обе

— там же). Самостоятельную ценность имеют его рисунки и этюды,

представляющие собой детализованный дневник природной жизни. Плодотворно

работал также в области офорта. Печатая свои тонко нюансированные пейзажные

офорты в разных состояниях, издавая их в виде альбомов, Шишкин мощно

активизировал интерес к этому виду искусства. Педагогической деятельностью

занимался мало (в частности, руководил пейзажной мастерской Академии

художеств в 1894-95), но имел в числе своих учеников таких художников, как

Ф. А. Васильев и Г. И. Чорос-Гуркин. Его образы, несмотря на свою

«объективность» и принципиальное отсутствие психологизма, свойственного

«пейзажу настроения» саврасовско-левитановского типа, всегда имели большой

поэтический резонанс (недаром Шишкин принадлежал к числу любимейших

художников А. А. Блока). В Елабуге открыт дом-музей художника.

К концу XIX в. влияние передвижников упало. В изобразительном

искусстве появились новые направления. Портреты кисти В.А. Серова и пейзажи

И.И. Левитана были созвучны с французской школой импрессионизма. Часть

художников сочетала русские художественные традиции с новыми

изобразительными формами (М.А. Врубель, Б.М. Кустодиев, ИЛ. Билибин и др.).

Своей вершины русская пейзажная живопись XIX в. достигла в творчестве

ученика Саврасова Исаака Ильича Левитана (1860—1900). Левитан — мастер

спокойных, тихих пейзажей. Человек очень робкий, стеснительный и ранимый,

он умел отдыхать только наедине с природой, проникаясь настроением

полюбившегося пейзажа.

Однажды приехал он на Волгу писать солнце, воздух и речные просторы.

Но солнца не было, по небу ползли бесконечные тучи, не прекращались унылые

дожди. Художник нервничал, пока не втянулся в эту погоду и не обнаружил

особую прелесть сизо-сиреневых красок русского ненастья. С той поры Верхняя

Волга, заштатный городок Плес прочно вошли в его творчество. В тех краях он

создал свои «дождливые» работы: «После дождя», «Хмурый день», «Над вечным

покоем». Там же были написаны умиротворенные вечерние пейзажи: «Вечер на

Волге», «Вечер. Золотой плес», «Вечерний звон», «Тихая обитель».

В последние годы жизни Левитан обратил внимание на творчество

французских художников-импрессионистов (Э. Мане, К. Моне, К. Писарро). Он

понял, что у него с ними много общего, что их творческие поиски шли в том

же направлении. Как и они, он предпочитал работать не в мастерской, а на

воздухе (на пленэре, как говорят художники). Как и они, он высветлил

палитру, изгнав темные, землистые краски. Как и они, он стремился

запечатлеть мимолетность бытия, передать движения света и воздуха. В этом

они пошли дальше его, но почти растворили в световоздушных потоках объемные

формы (дома, деревья). Он избежал этого.

«Картины Левитана требуют медленного рассматривания,— писал большой

знаток его творчества К. Г. Паустовский.— Они не ошеломляют глаз. Они

скромны и точны, подобно чеховским рассказам, но чем дольше вглядываешься в

них, тем все милее становится тишина провинциальных посадов, знакомых рек и

проселков».

На вторую половину XIX в. приходится творческий расцвет И. Е. Репина,

В. И. Сурикова и В. А. Серова.

Илья Ефимович Репин (1844—1930) родился в г. Чугуеве, в семье

военного поселенца. Ему удалось поступить в Академию художеств, где его

учителем стал П. П. Чистяков, воспитавший целую плеяду знаменитых

художников (В. И. Сурикова, В. М. Васнецова, М.А.Врубеля, В.А.Серова).

Многому научился Репин также у Крамского. В 1870 г. молодой художник

совершил путешествие по Волге. Многочисленные этюды, привезенные из

путешествия, он использовал для картины «Бурлаки на Волге» (1872). Она

произвела сильное впечатление на общественность. Автор сразу выдвинулся в

ряды самых известных мастеров. Критикуя сторонников «чистого искусства», он

писал: «Окружающая жизнь меня слишком волнует, не дает покоя, сама просится

на холст; действительность слишком возмутительна, чтобы со спокойной

совестью вышивать узоры,— предоставим это благовоспитанным барышням». Репин

стал знаменем передвижников, их гордостью и славой.

Репин был очень разносторонним художником. И. Е. Репин был

замечательным мастером во всех жанрах живописи и в каждом сказал свое новое

слово. Центральная тема его творчества — жизнь народа во всех ее

проявлениях. Он показал народ в труде, в борьбе, прославил борцов за

свободу народа. Его кисти принадлежит ряд монументальных жанровых полотен.

Лучшим произведением Репина в 70-е годы была картина «Бурлаки на Волге».

Картина была воспринята как событие художественной жизни России, она стала

символом нового направления в изобразительном искусстве. Репин писал, что

«судья теперь мужик, а потому надо воспроизводить его интересы». Пожалуй,

не меньшее впечатление, чем «Бурлаки», производит «Крестный ход в Курской

губернии». Яркое голубое небо, пронизанные солнцем облака дорожной пыли,

золотое сияние крестов и облачений, полиция, простой народ и калеки — все

уместилось на этом полотне: величие, сила, немощь и боль России.

Во многих картинах Репина затрагивалась революционная тематика

(«Отказ от исповеди», «Не ждали», «Арест пропагандиста»). Революционеры на

его картинах держатся просто и естественно, чуждаясь театральных поз и

жестов. На картине «Отказ от исповеди» приговоренный к смерти словно бы

нарочно спрятал руки в рукава. Художник явно сочувствовал героям своих

картин.

Ряд репинских полотен написан на исторические темы («Иван Грозный и

его сын Иван», «Запорожцы, сочиняющие письмо турецкому султану» и др.).

Репин создал целую галерею портретов ученых (Пирогова, Сеченова), писателей

(Толстого, Тургенева, Гаршина), композиторов (Глинки, Мусоргского),

художников (Крамского, Сурикова). В начале XX в. он получил заказ на

картину «Торжественное заседание Государственного совета». Художнику

удалось не только композиционно разместить на полотне такое большое число

присутствующих, но и дать психологическую характеристику многим их них.

Среди них были такие известные деятели, как С. Ю. Витте, К. П.

Победоносцев, П. П. Семенов-Тян-Шанский. Малозаметен на картине, но очень

тонко выписан Николай II.

Василий Иванович Суриков (1848—1916) родился в Красноярске, в

казачьей семье. Расцвет его творчества приходится на 80-е гг., когда он

создал три самые знаменитые свои исторические картины: «Утро стрелецкой

казни», «Меншиков в Березове» и «Боярыня Морозова». Его произведения «Утро

стрелецкой казни», «Меншиков в Березове», «Боярыня Морозова», «Покорение

Сибири Ермаком Тимофеевичем», «Степан Разин», «Переход Суворова через

Альпы» — вершина русской и мировой исторической живописи. Величие русского

народа, его красота, несгибаемая воля, его трудная и сложная судьба — вот

то, что вдохновляло художника.

Суриков хорошо знал быт и нравы прошлых эпох, умел давать яркие

психологические характеристики. Кроме того, он был прекрасным колористом

(мастером цвета). Достаточно вспомнить ослепительно свежий, искрящийся снег

в «Боярыне Морозовой». Если же подойти к полотну поближе, снег как бы

«рассыпается» на синие, голубые, розовые мазки. Этот живописный прием,

когда два-три разных мазка на расстоянии сливаются и дают нужный цвет,

широко использовали французские импрессионисты.

Валентин Александрович Серов (1865—1911), сын композитора, писал

пейзажи, полотна на исторические темы, работал как театральный художник. Но

славу ему принесли, прежде всего, портреты.

В 1887 г. 22-летний Серов отдыхал в Абрамцеве, подмосковной даче

мецената С. И. Мамонтова. Среди его многочисленных детей молодой художник

был своим человеком, участником их шумных игр. Однажды после обеда в

столовой случайно задержались двое — Серов и 12-летняя Веруша Мамонтова.

Они сидели за столом, на котором остались персики, и за разговором Веруша

не заметила, как художник начал набрасывать ее портрет. Работа растянулась

на месяц, и Веруша сердилась, что Антон (так по-домашнему звали Серова)

заставляет ее часами сидеть в столовой.

В начале сентября «Девочка с персиками» была закончена. Несмотря на

небольшой размер, картина, написанная в розово-золотистых тонах, казалась

очень «просторной». В ней было много света и воздуха. Девочка, присевшая за

стол как бы на минуту и остановившая свой взор на зрителе, зачаровывала

ясностью и одухотворенностью. Да и все полотно было овеяно чисто детским

восприятием повседневности, когда счастье себя не сознает, а впереди —

целая жизнь.

Обитатели абрамцевского дома, конечно, понимали, что на их глазах

свершилось чудо. Но только время дает окончательные оценки. Оно и поставило

«Девочку с персиками» в ряд лучших портретных работ в русской и мировой

живописи.

На следующий год Серов сумел почти повторить свое

волшебство. Он написал портрет своей сестры Марии Симонович («Девушка,

освещенная солнцем»). Название закрепилось немного неточное: девушка сидит

в тени, а лучами утреннего солнца освещена поляна на втором плане. Но на

картине все так слитно, так едино — утро, солнце, лето, молодость и

красота,— что лучшее название трудно придумать.

Серов стал модным портретистом. Перед ним позировали известные

писатели, артисты, художники, предприниматели, аристократы, даже цари. По-

видимому, не ко всем, кого он писал, лежала у него душа. Некоторые

великосветские портреты, при филигранной технике исполнения, получились

холодными.

Несколько лет Серов преподавал в Московском училище живописи, ваяния

и зодчества. Он был требовательным педагогом. Противник застывших форм

живописи, Серов вместе с тем считал, что творческие поиски должны

основываться на твердом владении техникой рисунка и живописного письма.

Многие выдающиеся мастера считали себя учениками Серова: М. С. Сарьян, К-Ф.

Юон, П. В. Кузнецов, К. С. Петров-Водкин.

Многие картины Репина, Сурикова, Левитана, Серова, «передвижников»

попали в собрание Третьякова. Павел Михайлович Третьяков (1832—1898),

представитель старинного московского купеческого рода, был необычным

человеком. Худой и высокий, с окладистой бородой и тихим голосом, он больше

походил на святого, чем на купца. Собирать картины русских художников начал

с 1856 г. Увлечение переросло в главное дело жизни. В начале 90-х гг.

собрание достигло уровня музея, поглотив почти все состояние собирателя.

Позднее оно перешло в собственность Москвы. Третьяковская галерея стала

всемирно известным музеем русской живописи, графики и скульптуры.

В 1898 г. в Петербурге, в Михайловском дворце (творение К. Росси) был

открыт Русский музей. В него поступили произведения русских художников из

Эрмитажа, Академии художеств и некоторых императорских дворцов. Открытие

этих двух музеев как бы увенчало достижения русской живописи XIX в.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Русское изобразительное искусство, проникнутое передовыми идеями того

времени, служило великой гуманной цели — борьбе за освобождение человека,

за социальное переустройство всего общества.

В целом в первой половине XIX века Россия добилась впечатляющих

успехов в области культуры. В мировой фонд навечно вошли произведения

многих русских художников. Завершился процесс формирования национальной

культуры.

На рубеже XIX-XX вв. модернистские поиски привели к складыванию

группы художников, объединившихся вокруг журнала "Мир искусства" (А.Н.

Бенуа, К.А. Сомов, Е.Е. Лансере, Л.С. Бакст, Н.К. Рерих, И.Э. Грабарь и

др.). "Мир искусники" провозгласили новые художественно-эстетические

принципы, противостоявшие реалистическим воззрениям передвижников, и

склонность академизма. Они пропагандировали индивидуализм, свободу

искусства от социальных и политических проблем. Главное для них - красота и

традиции русской национальной культуры. Особое внимание они уделяли

возрождению и новой оценке наследия прошлых эпох (XVIII - начала XIX в.), а

также популяризации западноевропейского искусства.

В начале XX в. возник "русский авангард". Его представители К.С.

Малевич, Р.Р. Фальк, М.З. Шагал и другие проповедовали искусство "чистых"

форм и внешней беспредметности. Они были предшественниками абстракционизма

и оказали огромное влияние на развитие мирового искусства.

ЛИТЕРАТУРА

1. История СССР: Учеб. для 9 кл. сред. шк. - 6-е изд. дораб. - М.:

Просвещение, 1992 г.

2. История России. Учеб. - М.: "Проспект", 1997 г.

3. История России, конец XVII - XIX в.: Учеб. для 10 кл. общеобразоват.

учреждений / Под ред. А. Н. Сахарова. - 4-е изд. - М.: Просвещение, 1998

г.

4. Электронная энциклопедия Кирилла и Мифодия, 2001 г.

-----------------------

РЕФЕРАТ

по отечественной истории

Тема: Русская живопись XIX века.

Руководитель

Куликова Н. А.

(подпись) (дата)

Студент ЭВМ - 101

Дорофеев Н. В.

(подпись) (дата)

Муром 2001

-----------------------

Русская живопись XIX века

МИ ВГУ.220109 – 00.000

МИ ВГУ

ЭВМ-101

Руков.

Студент

Изм.

Н.контр.

Зав. каф.

№ докум.

Лист

Дата

Кропотов Ю.А.

Подп.

Лист

Подп.

МИ ВГУ.220109 – 00.000

Конс.

Дорофеев Н.В.

Куликова Н. А

2

У

Лит

№ докум.

Дата

Лист

24

Листов

Лист

Изм.

Страницы: 1, 2